Si pincháis en las imágenes veréis el vídeo.
Este es más complejo así que id viendo el vídeo poco a poco.
Este ejercicio lo hacéis en la anterior construcción.
El alumnado trabajará una lámina dividida en 6 partes con las siguientes construcciones:
La mediatriz de un segmento es la línea recta perpendicular a dicho segmento trazada por su punto medio.
También es el lugar geométrico — la recta — cuyos puntos son equidistantes a los extremos del segmento.
La bisectriz de un ángulo es la semirrecta con origen en el vértice del ángulo y que lo divide en dos ángulos de igual medida.
Ta,bién se define como el lugar geométrico de los puntos del plano que equidistan, es decir, están a la misma distancia de los lados del ángulo.
Nos dan una recta «r» y un punto «A». Tenemos que realizar una perpendicular a r que pase por el punto «A» ayudándose del compás.
Explicación aquí
Las rectas no llegan a cortarse dentro de los límites del papel.
Explicación aquí: https://www.mongge.com/ejercicios/670
Ejercicios de la lámina:
Ejercicios de la lámina:
El siguiente enlace ayuda a las anteriores construcciones:
https://tooscreativos.wordpress.com/tag/enlaces/
En el siguiente enlace puedes ver cómo se traza las elipses: las bases vistas en perspectiva.
https://tooscreativos.wordpress.com/tag/cilindro/
https://tooscreativos.wordpress.com/2016/02/10/perspectiva-conica/
En perspectiva cónica oblicua hay que dibujar los siguientes sólidos:
En el siguiente enlace nos explican cómo hacer las sombras arrojadas.
https://tooscreativos.wordpress.com/2016/02/10/perspectiva-conica/
Empezaremos por conocer la forma de nuestro craneo.
Buscamos formas geométricas básicas que lo contengan
Parte de una forma circular y esférica que subdividiremos buscando las posiciones de los diferentes elementos que contiene el retrato: boca, orejas, nariz y ojos.
En la siguiente imagen vemos esa forma esférica con los elementos en diferentes posiciones.
Si nos fijamos, dentro del rostro hay unas medidas que se repiten siguiendo las líneas de la esfera. Esas medidas las vemos en la siguiente imagen.
Perfect face proportions. Vector illustration.
PARTES DEL ROSTRO
Son aquellos que están diametralmente opuestos en el cículo cromático. La palabra opuesta sería armonía.
En la imagen vemos el jarrón pintado con colores armónicos, diferenciando la luminosidad. Y un segundo jarrón empleando el rojo y el verde para crear volumen. Dos colores complementarios.
Para las sombras emplearemos el color más frío o más ocuro, menos lumnoso para las SOMBRAS. Y su complementario para las LUCES, el más luminoso.
Trabajaremos con una pieza de yeso que primero encajaremos en un formato rectangular usando la sección áurea.
El número áureo (también llamado número de oro, razón extrema y media, razón áurea, razón dorada, media áurea, proporción áurea y divina proporción) es un número irracional, representado por la letra griega φ (phi) (en minúscula) o Φ (Phi) (en mayúscula) en honor al escultor griego Fidias.
¿CÓMO USAR LAS CERAS?
Escogeremos dos colores complementarios y un lápiz HB. Encajamos el peón con el lápiz en el punto áureo a base de formas geométricas básicas.
Una vez encajada la pieza usaremos el color más luminoso respetando las zonas blancas de luz. Mezclaremos con los dedos o difumino y a continuación las sombras las marcamos con el color complementario. La imagen siguiente nos ayuda al proceso.
CÓMO EMPLEAR LA TÉCNICA DE LAS TÉMPERAS
MODELO A COPIAR
Aquí se muestra un vídeo de cómo sombrear piezas en cónica.
En la cónica se aprecián diversos métrodos:
Observando esta foto vemos que las aristas desaparecen y aparecen líneas formadas por el cambio de tono en tre la posición de los planos.
En el cono
En el cilindro
La luz directa y fuerte crea sombras muy definidas.
La luz más débil genera sombras difusas.
EJERCICIOS DE ALUMNADO
Un poliedro es un cuerpo geométrico cuyas caras son planas y encierran un volumen finito. La palabra poliedro viene del griego clásico de la raíz (polys), «muchas» y (edra), «base», «asiento», «cara».
POLIEDROS REGULARES
Solo existen cinco poliedros regulares:
Cuerpos redondos. Son la esfera, el cono y el cilindro. Los cuerpos redondos son aquellos que tienen, al menos, una de sus caras o superficies de forma curva. También se denominan cuerpos de revolución porque pueden obtenerse a partir de una figura que gira alrededor de un eje.
PRISMAS
En geometría, un prisma es un poliedro con una base poligonal de n lados y otras n caras que une los lados correspondientes de las dos bases.
La pirámide es un poliedro, constituido por un polígono simple (llamado base) y triángulos que tienen un único lado que coincide con uno del polígono base; todos los triángulos tienen un vértice común llamado vértice de la pirámide. Los triángulos se llaman caras laterales.
DESARROLLO DE UN CUERPO GEOMÉTRICO
Alfabeto de Durero, artista del Renacimiento alemán. Su especialidad el grabado.
Herbert Bayer fue un diseñador gráfico, pintor, fotógrafo, escultor, director de arte, diseñador ambiental, arquitecto y arquitecto de interiores austríaco que fue ampliamente reconocido como el último miembro vivo de la Bauhaus.
Bayer se convirtió en el tipógrafo más famoso de la época, creando un alfabeto simplificado. Usaba siempre minúsculas y todas sus fuentes eran claras y geométricas. Su fuente más famosa es la que digitalmente se llama Architype Bayer.
Empleando los conocimientos de tangencias y enlaces se diseñará una letra mosytrando los siguientes ejemplos encontrados. Además se muestra cómo en Canarias muchas tipografías están diseñadas con el uso de tangencias.
SEGUIR PASO A PASO:
Abrir archivo nuevo
Poner los siguientes parámetros
Damos nombre a la capa de fondo, presionamos dos veces sobre la zona gris de la capa.
Creamos una nueva capa que llamaremos círculo cromático
Elegimos la herramienta trazado de línea y creamos una cruz a modo de centro de la circunferencia.
Elegimos la herramienta de trazado de círculos. Se presiona alt+shift+botón dch de ratón, y se crea una circunferencia perfecta.
Con la herramienta trazado de línea trazaremos diámetros cada 30º.
y la herramienta mover trazado podemos seleccionar y trasladar todos los objetos trazados que tengamos.
para hacer lo anterior mencionado, se copia y se pega la diagonal varias veces. Fíjate que para copiarla hay que tener la diagonal seleccionada, se ve en los dos puntos externos marcados en blanco.
Una vez copiada se gira 30º. Edición|Transformar|Rotar. En la barra de opciones puedo poner los grados.
Repetimos esta operación hasta completar el círculo con las separaciones necesarias
Se rasteriza la capa del círculo. botón izq del ratón sobre la zona gris de la capa.
Escoger la herramienta de selección varita mágica, e ir a un sector del círculo y seleccionarlo con un golpe del botón drch del ratón.
La selección la rellenamos en Edición|Rellenar
se haces esto en cada sector con los colores primarios, secundarios y terciarios CMYK.
porcentajes de los diferentes colores
El resultado final es el siguiente, tan solo falta aplicar la luminosidad.
Creamos nueva capa
Seleccionamos una forma circular igual al círculo: hay varios métodos, con la varita mágica escoger la zona blanca e invertir, o con la herramienta selección elíptica y la letra shift para que salga un círculo perfecto
Cuando tengamos la selección hecha se rellenará con la herramienta degradado. En la barra de opciones deberemos poner opción radial.
En la barra opciones de degradado podemos elegir muchas variantes.
el punto 1 es el desplegable para ver las opciones de degradado prediseñadas, en el opciones de desplegables puedes descargar más diseños.
Con todos los parámetros elegidos arrastramos el ratón de fuera a dentro o al revés, dependiendo de la dirección del degradado que hayamos elegido.
Fusionamos capa con trama y conseguimos la luminosidad de los diferentes colores.
Crear otra capa y pintad el fondo con el negro creado por los tres colores primarios pigmento.
Documento en pdf para guiar al alumno en la redacción de la crítica soy-critico-de-arte
1929
El artista estadounidense Alexander Calder destacó por muchas de sus obras escultóricas. Fue uno de los precursores del arte cinético en los años sesenta. La escultura cinética fue una corriente de arte en el que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
Sus esculturas más conocidas son los móviles de gran tamaño creados por grandes planos de formas irreconocibles, como el que estamos analizando. Muchos de estos planos recuerdan a lágrimas, lunas o figuras geométricas muy básicas como triángulos o círculos. En los contornos predominan las curvas frente a las aristas rectas o vértices. Esto consigue dar una sensación más infantil, juguetona y agradable. Los planos de los pinta con colores primos muy saturados, amarillos, rojos. Pero en esta ocasión, juega con el contraste utilizando el negro en la mayoría de las piezas y centrando la atención del espectador en un punto rojo. La escultura centra su peso visual en este punto, que parece estar rodeado o envuelto por el resto de figuras. Cada pieza se une con pequeños alambres, creando líneas apenas apreciables que consiguen que las formas leviten por el espacio, moviéndose debido al paso de los espectadores o por otras fuerzas ajenas a ellos. Estos movimientos hacen que las figuras adquieran diferentes posiciones y que el espectador se enfrente a nuevas imágenes.
Considero que la obra de Calder fue impactante en su época, porque hasta entonces los espectadores no interactuaban con las esculturas. Tiene un gran valor estético que seguro inspiró al diseño de juguetes, debido a su aspecto amable y juguetón. También a productos para los hogares, como lámparas o joyas, a causa del atractivo de sus líneas y formas. La escultura crea una sensación de opresión o seguimiento al ver que el plano rojo en movimiento no deja de ser perseguido por una serie de figuras que recuerdan pájaros o pequeñas mariposas. Y todo esto lo vive el espectador como una pequeña animación hipnotizadora.
Piensa que una crítica es un conjunto de opiniones o juicios que responden a un análisis y que pueden resultar positivos o negativos.
INTRODUCCIÓN- contextualizamos.
DESARROLLO DEL TEMA
Ayúdate de las siguientes frases para crear tu propia crítica. Una vez que rellenes aquellas que más se ajustan a tu imagen, trata de enlazarlas para crear un texto.
Añade sensaciones que te produce la obra, Explica el propósito original del artista. Examina por qué el artista tomó las decisiones de técnica, materiales. Identifica los símbolos de la pieza de arte Puedes buscar información sobre la obra para poder ampliar información.
(punto, línea, mancha o plano, color y textura)
PUNTO , LÍNEA, PLANO
COLOR
TEXTURA
TEMÁTICA
TÉCNICA
CONCLUSIÓN
En esta parte del texto se hace una recapitulación del proceso de crítica que acabas de redactar.
Para ayudarte, relee tu análisis e interprétalo para sacar conclusiones y formar juicios sobre la pieza de arte.
Valora las sensaciones que evoca la pieza. Por ejemplo, La obra o el artista nos está transmitiendo o está evocando sensaciones de nostalgia o provocar ira o confiere belleza. Explica por qué crees que provoca esas sensaciones.
Alexander Calder realizó en alambre en los años 30 personajes relacionados con el circo, el cabaret y otros espectáculos masivos de entretenimiento popular, incluyendo Dos acróbatas 1929. Tras una visita al estudio de Piet Mondrian en 1930, donde quedó impresionado con el «ambiente como la instalación», Calder creó formas cinéticas tridimensionales abstractas y suspendidas de vivos colores sobre paneles o dentro de marcos colgados de la pared .
Mickael Delalande realiza obras con alambre muy divertidas que parecen dibujos a lápiz o puntafina hechos directamente sobre el aire.
El artista portugués David Oliveira utiliza alambre para “dibujar” en el aire, creando asombrosas esculturas de animales que solo se ven desde el ángulo correcto. Sobre todo al ser fotografiados el efecto es sorprendente, pareciendo dibujos garabateados.
Korean artist Seung Mo Park makes remarkably detailed sculptures out of a surprisingly versatile medium—metal wire. His works include wrapped object sculptures and astonishing figure sculptures that, but for their metallic hue, are incredibly lifelike.
Gavin Worth es un talentoso artista visual, diseñador y escultor muy conocido por sus esculturas de alambre doblado y sus recortables de papel.
Los lápices de grafito son una mezcla de grafito puro y arcilla.
A mayor porcentaje de arcilla más dureza y menos oscuridad. A mayor porcentaje de grafito más oscuridad y menos dureza.
Para establecer el grado de dureza/oscuridad los lápices de fabricación europea llevan impreso en la caña o carcasa de madera unas letras y números:
La H viene del inglés hard, duro. Estos son los lapiceros que dejan poca huella en el papel, ideal para primeros esbozos, líneas guías de acuarela, pintura y dibujo técnico, cuanto mayor es el número mayor es su dureza.
La B viene del inglés Bold o black, Negro. Estos son más blandos y consigues un negro más intenso. A mayor numeración, más oscuro para sombras más intensas.
HB es un lápiz medio. Nos podemos encontrar con lápices 2HB que son más blandos todavía pero sin llegar al B
F es de Firme, es como el HB tirando a duro.
CÓMO UTILIZAR ESTA TÉCNICA SECA
Es importante saber qué materiales vamos a necesitar en nuestro lugar de trabajo.
Ingres no es neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista. Ingres constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido. Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y gótico, además de en las miniaturas de los libros de horas de Fouquet. Igualmente, es ejemplo de orientalismo, pues muchos de sus cuadros, especialmente desnudos femeninos, están dominados por un sentido irreal del exotismo propio del siglo XVIII.
Hay muchas formas de utilizar este material.
Haciendo formas redondeadas conseguiremos un color mas uniforme, pero conseguiremos crear una textura.
Con el difumino, da una sensación mas borrosa al dibujo.
El trazado de líneas rectas en distintas direcciones.
Aquí podemos ver algunos acabados.
Para realizar este ejercicio fue necesario:
Una historieta o cómic es una secuenciación de dibujos estáticos que constituyen un relato.
Stan Lee (1922), es un guionista y editor de cómics estadounidense, que ha presentado al mundo personajes notables, junto a dibujantes como Steve Ditko o Jack Kirby, de superhéroes como Spider-Man, Hulk, Iron Man, Los 4 Fantásticos, Thor, Los Vengadores, Daredevil, Doctor Strange, X-Men y muchos otros personajes, expandiendo Marvel Comics.
V de Vendetta (conocido en Latinoamérica como V de venganza) es una serie de diez comics books escritas por Alan Moore e ilustradas por David Lloyd, El argumento de la serie está situado en un futuro distópico de finales de la década de los 90 (la serie fue creada en los 80). La historia está ambientada en Gran Bretaña durante un futuro cercano y tras una guerra nuclear parcial, con gran parte del mundo destruido. En este futuro, un partido fascista ostenta el poder en el Reino Unido. Un misterioso revolucionario apodado «V», oculto tras una máscara de Guy Fawkes, empieza una elaborada y violenta campaña con el fin de derrocar el gobierno e incitar a la población a adoptar un modelo político-social diferente. Una distopía o antiutopía es una sociedad ficticia indeseable en sí misma. Esta sociedad distópica suele ser introducida mediante una novela, ensayo, cómic o cine.
Las aventuras de Tintín, un intrépido reportero de aspecto juvenil y edad nunca aclarada que viaja por todo el mundo junto con su perro Milú, (cuyo nombre original, en francés, es Les Aventures de Tintin et Milou). Creada por el autor belga Georges Remi (Hergé). Está constituida por un total de 24 álbumes, el primero de los cuales se publicó en 1930
Mortadelo y Filemón es una serie de historietas humorísticas creada y desarrollada por el autor español Francisco Ibáñez a partir de 1958, la más popular de las suyas, y probablemente de todo el cómic en España. Durante la década de los años 1960, Ibáñez fue creando y adaptando algunos de sus mejores series para diferentes revistas de la editorial: La familia Trapisonda (Pulgarcito, 7/07/1958), Rue del Percebe (Tío Vivo, 6/03/1961), El botones Sacarino (El DDT, 1963), Rompetechos (Tío Vivo, 1964) y Pepe Gotera y Otilio (Tío Vivo, 1966).
Corto Maltés es una serie de historietas de aventuras desarrollada por el italiano Hugo Pratt desde 1967 hasta 1989, protagonizada por el marinero homónimo.
V de Vendetta (conocido en Latinoamérica como V de venganza) es una serie de diez comics books escritas por Alan Moore e ilustradas por David Lloyd, El argumento de la serie está situado en un futuro distópico de finales de la década de los 90 (la serie fue creada en los 80). La historia está ambientada en Gran Bretaña durante un futuro cercano y tras una guerra nuclear parcial, con gran parte del mundo destruido. En este futuro, un partido fascista ostenta el poder en el Reino Unido. Un misterioso revolucionario apodado «V», oculto tras una máscara de Guy Fawkes, empieza una elaborada y violenta campaña con el fin de derrocar el gobierno e incitar a la población a adoptar un modelo político-social diferente. Una distopía o antiutopía es una sociedad ficticia indeseable en sí misma. Esta sociedad distópica suele ser introducida mediante una novela, ensayo, cómic o cine.
Marjane Satrapi es una historietista iraní que trabaja fundamentalmente para el mercado francófono. Persépolis es el título de una novela gráfica en blanco y negro escrita e ilustrada en forma autobiográfica . La autora relata las etapas fundamentales que marcaron su vida, desde su niñez en Teherán durante la revolución islámica, hasta su difícil entrada a la vida adulta en Europa. La imagen pertenece a un cómic titulado Bordados, con ella y sus abuelas y tías como protagonista, ampliando la historia de Irán.
El músico miembro del grupo folk ‘Felpeyu’, dibujante de cómic y licenciado en Bellas Artes. Ruma Barbero (Gijón, 1971), acaba de publicar ‘La Chelita. El Salvador 1992’, una novela gráfica, escrita en asturiano, en la que relata las vivencias de una amiga salmantina, licenciada en Psicología, que trabajó como cooperante en El Salvador hace veinte años, a raíz de los acuerdos de paz que terminaron, oficialmente, con la guerra civil que se libró en aquel país centroamericano entre 1980 y 1992.
Juan José Sáez Domper (Barcelona, 1972), conocido por Juanjo Sáez, es un historietista e ilustrador español.
Alfonso Zapico (Blimea, San Martín del Rey Aurelio, 1981) es un historietista e ilustrador español, que trabaja fundamentalmente para el mercado franco-belga. En 2012, su novela gráfica Dublinés, basado en la vida de Jame Joyce, fue galardonada con el Premio Nacional de Cómic.
Las historietas suelen realizarse sobre papel, o en forma digital (e-comic, webcómics y similares), pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una página completa, una revista o un libro (álbum, novela gráfica o tankōbon). Han sido cultivadas en casi todos los países y abordan multitud de géneros. Al profesional o aficionado que las guioniza, dibuja, rotula o colorea se le conoce como historietista.
Antonio Fraguas de Pablo, conocido como Forges (Madrid, 17 de enero de 1942), es un humorista gráfico español.
Elementos para trabajar una historieta:
Batwoman es una superheroína creada como compañera femenina del superhéroe Batman, creado por Sheldon Moldoff y Bob Kane en 1956. Este personaje hizo su primera aparición en el Detective Comics # 233 (1956). Originalmente llamada Kathy Kane. Batwoman apareció entre los años 1950 y 1960, sin lograr nunca un gran éxito de ventas. Formó parte de la Batman Family original que incluía a «As, el Batsabueso», «Batmito, el batduende», la «Batgirl» original (sobrina de Kathy Kane), Alfred y Robin. En The New Earth se hace compañera de Catwoman y de otras heroínas de DC Comics.
Plano detalle (P.D.): este encuadre muestra el detalle de algún elemento o del personaje, es muy importante, pues si no aparece el P.D. no nos fijaríamos en él, y puede resultar clave para comprender el desenlaza de la historia.
Akira es un manga en el que también se basa la película homónima de animación japonesa. Ambas obras tuvieron un reconocimiento instantáneo como clásicos dentro de sus respectivos géneros. El manga, de más de dos mil páginas, fue escrito y dibujado por Katsuhiro Otomo entre los años 1982 y 1990 obteniendo un éxito significativo en Japón y en el resto del mundo. Akira se ambienta en la ciudad futurista de Neo-Tokio. La historia se desarrolla en el año 2019 en una ciudad reconstruida tras sufrir los devastadores efectos de una presunta explosión nuclear que desencadena la tercera guerra mundial. El gobierno ejerce un control represivo sobre la ciudad y experimenta sobre unos niños con poderes psíquicos latentes, aplicándoles fármacos para potenciarlos, estos contribuyen con predicciones para mantener la paz.
Plano subjetivo: es cuando el lector mira y observa a través de los ojos del personaje.
José Ortiz Moya fue un dibujante de cómic español (1932- 2013). Trabajó para multitud de países. En los años 60 comenzó a publicar en el extranjero a través de la agencia barcelonesa Bardon Art, creando sobre todo historietas de tema bélico que se publican en diversos países e incluso una tira diaria en el periódico británico Daily Express titulada Carolynn Baker, Para la revista Eagle, de la británica Fleetway, creo la serie U.F.O. Agente Especial que es la que vemos en la imagen.
Los planos también producen diferentes efectos según el ángulo visual, inclinación o punto de vista desde el que se esté encuadrando la viñeta.
Plano normal: también llamado plano frontal. Se enfoca desde una altura media, similar a la altura de los ojos de un observador del tamaño de lo que se muestra.
Si no quieres que tu lector se vuelva loco, una buena parte de los planos deberían tener esta angulación. Si quieres que tu lector reciba un ataque epiléptico de angulación, puedes introducir más planos «no frontales» en dichas escenas (por ejemplo, combates, escenas de terror, deportes, etc.).
Plano picado que se enfoca desde una altura superior a la de los ojos (desde arriba). Hace sentir al observador que es superior a lo observado. Puede usarse para empequeñecer personajes.
Blacksad es una serie de historietas española, creada y desarrollada por Juan Díaz Canales como guionista y Juanjo Guarnido como dibujante. Abrió camino a otras obras de serie negra.
Plano contrapicado: Se enfoca desde una altura inferior a la de los ojos (desde abajo). Hace sentir al observador que es inferior a lo que se observa. Puede usarse para engrandecer personajes y espacios, que hagan sentir al lector y a los personajes que algo es más grande que ellos.
Entretelas es el primer cómic realista de Rubén del Rincón Entretelas es un relato basado en hechos reales y ambientado en los 80 pero que guarda muchísimas semejanzas con la situación económica actual.
Plano cenital: se enfoca desde arriba con ángulo agresivo. Se usa por estética cuando se pretende mostrar de esa forma a una serie de personajes o escenarios.
Jean Giraud (1938,-2012 ) fue un historietista e ilustrador francés, que se dio a conocer con el seudónimo Gir y el western El Teniente Blueberry en 1964, para luego revolucionar la historieta de ciencia ficción de los años 70 y principios de los 80 con el seudónimo de Moebius y obras como El garaje hermético (1976-1979) o El Incal (1980).
Asombro. Representado mediante determinadas reacciones faciales y un signo de exclamación dentro de un bocadillo.
Astérix es una serie de historietas cómicas creada por René Goscinny(guion) y Albert Uderzo (dibujo), aparecida por primera vez en 1959.
Snoopy (creado en 1950 por el historietista Charles Schulz) es junto a Charlie Brown, el personaje principal de la tira cómica Peanuts, conocida en castellano bajo los títulos Carlitos, Charlie Brown y Snoopy o Rabanitos. Snoopy es un perro de una raza Beagle. El amo y propietario de Snoopy es Charlie Brown.
Garfield es el nombre de la historieta creada por Jim Davis, que tiene como protagonistas al gato Garfield, al no muy brillante perro Odie, y a su dueño, el inepto Jon Arbuckle.
En cualquier imagen, debemos apreciar el grado de parecido que tiene con lo representado: si es mucho, diremos que tiene un alto grado de iconicidad y bajo si el parecido es poco.
No todos los medios de representacion de imagenes captan el mundo exterior con el mismo grado de iconicidad. Por ejemplo, una camara de fotos registra la realidad muy fielmente, sobre todo si lo hace en color, pero su iconicidad es menor que la de cine, pues este, además, representa el movimiento y el sonido. Cualquier dibujo tendra un grado de iconicidad menor que los medios citados anteriormente.
Pedro Campos (Madrid, 1966) es un impactante pintor madrileño que transmite a través de sus óleos cuestionarnos el origen de las obras que vemos ante nosotros, sobre si son fotografía o pintura. Influenciado por el mundo del pop art, en sus obras aparecen elementos clásicos de la sociedad consumista en la que vivimos inmersos.
Pero para una comprensión mas básica y generalizadora de la escala de iconicidad lo llevamos a estos tres conceptos:
Guernica es un cuadro de Pablo Picasso, pintado entre los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
Piet Mondrian Árbol gris 1912, obra en la que ya es posible ver su decantación hacia la abstracción, es una de sus primeras obras ligadas a los métodos cubistas.
La luz es el elemento principal para la realización de fotografías, proviene de una fuente luminosa natural que puede ser el sol, el fuego… o de fuentes artificiales como las bombillas, fluorescentes y otros tipos de lamparas. Los rayos luminosos se propagan en linea recta hasta incidir sobre un cuerpo que absorbe y refleja parte de esa luz determinando el color del objeto. Cuando esa luz reflejada entra por la pupila y llega hasta nuestra retina podemos ver lo que nos rodea, distinguiendo sus diferentes colores.
Desde la primera cámara del pasado hasta la mas sofisticada de hoy en día siguen siendo básicamente iguales. Se trata de una caja oscura donde los rayos de luz que entran por un agujero proyectan una imagen invertida sobre el fondo opuesto de la caja. Esta caja recibe el nombre de “CAMARA OSCURA” y funciona de modo muy similar al ojo humano.
El objetivo es un paquete de lentillas dispuestas de tal manera que permiten el paso de la luz hacia la cámara proyectándola en su interior para conformar la imagen fotográfica.
El Objetivo es la parte de la cámara que dirige los rayos de luz hacia el sensor o película. Consta de una o varias lentes de forma convexa que proyecta los rayos de luz que lo atraviesan en un punto llamado foco. Cuando enfocamos con la cámara en realidad lo que hacemos es hacer coincidir el foco con el sensor o película de la cámara para obtener una imagen nítida.Con él ajustamos la distancia focal (zoom) y el enfoque. Con una distancia focal de 50 mm se consigue una visión lo más parecida al ojo humano.
Una vez realizada la toma fotográfica, esta se almacena en la tarjeta de memoria de la cámara. Se puede guardar en diferentes formatos.
Se debe manejar muy bien el obturador y el diafragma para controlar la entrada de luz a la zona sensible.
El paso de diafragma no es más que el salto de un valor f/ al siguiente. Por ejemplo, en la imagen anterior diríamos que entre f/2 y f/2,8 hay un paso de diafragma. O entre f/2 y f/4, hay dos pasos de diafragma.
Y dirás… Muy bien, ¿Y eso qué significa? Pues bien, cada paso hacia arriba en la escala, significa que estás dividiendo por dos la cantidad de luz que entra a través del objetivo. (Por ejemplo f/4 dispone de la mitad de luz que f/2.8). Y por el contrario, cada paso hacia abajo que des en la escala, significa que estarás multiplicando por dos la entrada de luz respecto al paso anterior. (Por ejemplo f/8 dispone del doble de luz que f/11).
La escala “estándar” sería la siguiente:
f/1, f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5:6, f/8, f/11, f/16, f/22, etcétera.
Ahora bien, los pasos anteriores son los considerados enteros, los clásicos, los teóricos. Pero como siempre, las cosas van evolucionando y es muy posible que, a día de hoy, tu cámara cuente con bastantes más numeraciones f/ de diafragma que las que hemos comentado, ¿Verdad? Seguro que te estabas preguntando qué hacer o de dónde salen valores como f/3:5 o f/5. Pues bien, todos los valores que se encuentren entre los diferentes pasos, son los que consideramos como pasos intermedios.
Los pasos intermedios no son universales y se han añadido para poder ajustar con más precisión la apertura de diafragma.
Cuando hablamos de objetivos más o menos luminosos, en realidad estamos hablando de la capacidad de apertura de diafragma máxima que estos tienen asociados.
Como hemos visto en el punto anterior, cuanto más bajo es el valor f, más luz entra a través del objetivo y por lo tanto, lo consideramos más luminoso.
Por ejemplo, un objetivo zoom 18-55mm 1:3,5-5,6 nos indica varias cosas:
Es decir, con este objetivo, podremos abrir el diafragma hasta un máximo de f/3,5 cuando trabajamos en 18mm, y un máximo de f/5,6 en 50mm.
En ópticas fijas, el objetivo nos indica únicamente la apertura máxima y la focal fija: 50mm 1:1,4. Es decir, la apertura máxima de este objetivo es de f/1,4.
Entre los dos ejemplos, (el zoom y la óptica fija) el 50mm fijo es el objetivo más luminoso.
Sobre exposición : Sucede cuando el sensor (o la película) recibe más luz del nivel para el cual está hecho. La sobre estimulación genera zonas con un color blanco como respuesta, donde no vemos detalle alguno. La imagen se ve “deslavada”.
Subexposición : Es el caso contrario. Cuando la estimulación luminosa no es suficiente, el resultado visible será la presencia de zonas con un color negro sin detalles. La imagen se ve “empastada”.
Las cámaras suelen incorporar un fotómetro, que es un instrumento para medir la luz existente en una escena y que se utiliza para calcular la exposición correcta de ésta.
![image_thumb[17]](https://tooscreativos.files.wordpress.com/2016/04/image_thumb17.png?w=1000)
Sin embargo el fotómetro de la cámara no es el más exacto, y los profesionales suelen utilizar fotómetros de mano o fotómetros externos.
Aquí tenéis una excelente imagen que refleja estos sentimientos asociados a una marca o logotipo:
Longitud de onda: entre 620 – 750 nm, frecuencia más baja de luz discernible por el ojo humano.
Sensaciones que producen
Acción, Aventura, Agresividad, Sangre, Peligro, Energía, Emoción, Amor, Pasión, Fuerza, Vigor
El rojo es un color intenso. Puede evocar emociones conflictivas que van desde la sangre y la guerra hasta el amor y la pasión. Usualmente es utilizado en el diseño de logos como una manera para llamar la atención del observador y se conoce que puede llegar a incrementar la presión sanguínea o provocar hambre.
En los pictogramas de la señalización se reconoce como peligro y prohibición el color rojo.
Cuando se pone en un buscador de imágenes la palabra REBAJAS U OFERTAS, en la pantalla empieza a predominar el rojo.
McDonalds para anunciar que en sus establecimientos ofrece conexión wi-fi gratis han creado el logo de la wi-fi con patatas fritas y con un color rojo de fondo. La elección de este color no es al azar ya que McDonalds ha tenido el color rojo como color corporativo hasta hace relativamente poco tiempo. Pero además teniendo en cuenta que el color rojo es ideal para este tipo de servicios de comida rápida.
Coca-cola es una marca que nos transmite felicidad, alegría, energía emociones positivas y con el color rojo se consigue transmitir emociones humanas así pues la utilización del color con la frase que hace referencia a una emoción humana está bien conseguida.
Red Bull obtiene una doble dosis de rojo en su logo, lo cual es una excelente elección para representar a una marca de bebidas energéticas. La compañía mercadea la bebida utilizando frases como “Red Bull revitaliza cuerpo y mente” y “Red Bull te da alas”, las cuales refuerzan el por qué el color rojo es una excelente elección para el logo.
Aprecio, Delicadeza, Femenino, Floral, Gratitud, Inocencia, Romántico, Suave, Tranquilo
El rosa es un color femenino que evoca sentimientos de inocencia y delicadeza. Es una versión más suave del rojo, que puede representar visiones de niñas pequeñas, goma de mascar y algodón de azúcar. El color rosa es también ampliamente asociado con campañas de concientización al cáncer de mamas, y en general para añadir un brillo femenino a los logos.
El color rosa es muy prominente en el logotipo de Barbie de Mattel, así como en su imagen corporativa. Es un color que encaja con la idea de un juguete diseñado para niñas pequeñas. Su tipografía complementa la elección del color y ayuda a reforzar el posicionamiento de la marca al dar la impresión de ser la escritura de una niña.
Longitud de onda entre 460 y 482 nm.
El color Azul transmite confianza, fiabilidad y responsabilidad. Se refiere a la comunicación más personalizada, en lugar de comunicación de masas.
El azul es calmante, reduce la tensión y el miedo. Se ralentiza la frecuencia del pulso y reduce el apetito.
Logo IBM: 1972. Paul Rand El azul en el logo de IBM representa una compañía que aunque no es amenazante es al mismo tiempo estable y bien posicionada. Cuando Rand diseñó el logo de IBM, reemplazó la tipografía sólida con 8 barras horizontales para que representasen “velocidad y dinamismo”. Aunque el logo no es utilizado en la actualidad en su color azul original, es aún muy prominente en la imagen corporativa de IBM.
El azul es un color asociado a la tecnología, a lo industrial.
El azul es un color que funciona muy bien en Bancos, Agencias de Seguridad, de limpieza, en política, lineas aéreas.
El color azul es muy utilizado en anuncios publicitarios destinados a limpieza o higiene personal. Además de su sensación de frescor.
Es un color masculino y veremos muchos productos destinados a ellos con esta gama de color.
Etapa azul de Picasso
Tras la muerte del amigo pintor Casagemas, Picasso creó su pintura más triste, la Etapa Azul, que comenzó con pinturas sobre la muerte de Casagemas y concluyó con La Vida, en la que el protagonista no es otro que Casagemas abrazando a su amor no correspondido.
Frescura, Medio ambiente, Armonía, Salud, Curación, Inexperiencia, Dinero, Naturaleza, Renovación, Tranquilidad
El color verde representa vida y renovación. Es un color tranquilo y relajante, pero también puede representar envidia e inexperiencia. Puede ser encontrado comúnmente en compañías que se quieren retratar a sí mismas como ecológicas.
En la publicidad verde engañosa o “greenwashing” es un término que indica una forma de publicidad destinada a vender productos de una empresa con un añadido ecológico o un beneficio ambiental. El funcionamiento es que la empresa que vende el producto o servicio, como por ejemplo un coche, una verdura o el suministro eléctrico, destaque las supuestas cualidades sostenibles del mismo. El objetivo de esta publicidad suele ser aumentar las ventas o aumentar el precio del producto o servicio, haciendo creer al consumidor que la empresa está tomando medidas para ser sostenible y responsable con el Medio Ambiente.
En entornos en los que se están muchas horas, se suelen emplear colores verdes para realizar las actividades con menos tensión. Por eso en los muebles escolares suelen predominar este color.
El verde se emplea en señalización para indicar vía libre , en contraposición con el color rojo.
Pantone Inc. es una empresa con sede en Estados Unidos, creador del Pantone Matching System, un sistema de identificación, comparación y comunicación del color para las artes gráficas.
Precaución, Alegría, Cobardía, Curiosidad, Felicidad, Gozo, Broma, Positivo, Sol, Cálido
El color amarillo representa la luz del sol y la felicidad, pero también precaución y cobardía. El amarillo es luminoso y muy visible, razón por la cual puede ser encontrado generalmente en avisos de precaución y otras señales de tránsito. Es utilizado muchas veces en el diseño de logotipos para captar atención, crear felicidad y calidez. Es amigable por eso es un color que encontramos con frecuencia en productos destinados a niños.
El amarillos también representa rapidez, dinamismo, movimiento. Por eso muchas compañías de paquetería utilizan el amarillo tanto en sus logotipos como en sus anuncios publicitarios.
Accesible, Creatividad, Entusiasmo, Diversión, Jovial, Enérgico, Juvenil
El color naranja está compuesto de rojo y amarillo, y puede representar atributos de cada uno de estos colores. El naranja es menos intenso que el rojo, pero aún así contiene mucha fuerza. Es más juguetón y juvenil que el rojo. Puede ser encontrado comúnmente en logos que quieren representar diversión o estimular emociones e incluso apetitos.
Cómo conseguir diferentes negros aplicando la cuatricomía CMYK Cyan, Magenta, Amarillo (yellow) y negro (black).
La suma de todos los colores del arco iris es blanca, y el negro es la ausencia de todos ellos por eso se decidió, en la época del impresionismo, que el negro no era un color. Este hecho hizo que quedase prohibido en la pintura y que los colores oscuros debieran obtenerse mezclando el azul, el rojo y el amarillo (los tres colores primarios).
Impresión, sol naciente es un cuadro del pintor francés Monet, que dio su nombre al movimiento impresionista. 1872, representa el puerto de El Havre, ciudad en la que Monet pasó gran parte de su infancia.
Negro. Es el más versátil porque combina con todo. Realza el resto de contenidos si no son de tonalidades oscuras. Transmite elegancia, sofisticación, misterio, drama, temor, fuerza, potencia y autoridad. Por todo ello es habitual encontrarlo en artículos de lujo.
El color blanco representa el lado opuesto de todo lo que asociamos al negro y las personas que usan el blanco transmiten una imagen de bondad, pureza e inocencia, ya que este color simboliza paz, humildad y amor.
Vídeo donde se ve cómo funcionan las impresoras 3D
Objetos hechos con piezas impresas en 3D
LA TÉCNICA DEL FRESADO PARA CREAR OBJETOS DISEÑADOS EN EL ORDENADOR CON DIFERENTES MATERIALES Y MEDIANTE CONTROL NÚMERICO
PROCESOS CON DISEÑOS PLANOS PERO QUE SE MONTAN CREANDO OBJETOS 3D
POESÍA VISUAL
Se establecen relaciones entre dos lenguajes: el icónico y el verbal, aunque también puede participar en su aspecto visual el lenguaje sonoro, el fonético, el lenguaje matemático, etc. Estos lenguajes se entrecruzan y forman una especie de metalenguaje que opera de manera diferente a la poesía verbal.
En el estudio de un poema visual hay que tener en cuenta una serie de elementos funcionales tales como el uso de la disposición tipográfica, el uso del color o su ausencia, el uso del espacio, la inclusión del diseño gráfico, fotografías, dibujos, partituras, el collage y otros componentes plásticos que pueden crear caligramas, pictogramas, ideogramas, poemas objeto, etc.
JOAN BROSSA
Joan Brossa i Cuervo (1919-1998) fue un poeta catalán para el que no existían distinciones de género (literario, escénico, visual, objetual…).
FOTOMONTAJE
Es una técnica de fotografía. Es crear una ilustración compuesta de otras, una especie de collage. Esta composición puede realizarse mediante recortes de otras ilustraciones juntando un cierto número de ellas. En algunas ocasiones el compuesto de ilustraciones es fotografiado hasta que la imagen final es una simple fotografía.
George Grosz, 1893 – 1959 fue un pintor alemán de la época expresionista. Fue un miembro prominente del movimiento Dada de Berlín y de la Nueva Objetividad durante su etapa en la República de Weimar, antes de emigrar a los Estados Unidos en 1933. Su estilo de hecho evolucionó del dadaísmo a la nueva objetividad, corriente de la cual fue uno de los principales maestros.
Hannah Höch ( 1889- 1978) fue una artista plástica y fotógrafa alemana integrada en el movimiento dadá que utilizó como modo de expresión el fotomontaje, estando considerada como pionera en esta técnica fotográfica.
Raoul Hausmann (1886 – 1971) fue un artista y escritor austríaco. Con el seudónimo Der Dadasophe ejerció un destacado papel como dadaísta creando collages experimentales, poesía sonora y realizando críticas institucionales en Alemania durante los años transcurridos entre las dos guerras mundiales.
Herbert Bayer ( 1900 – 1985) fue un diseñador gráfico, pintor, fotógrafo y arquitecto austriaco. Bayer fue el diseñador de publicidad más innovador de la Escuela de la Bauhaus, a la que perteneció: su trabajo destaca por la temprana introducción de la fotografía en los años 1920.
Crear un fotomontaje hoy en día es una tarea muy fácil gracias a los ordenadores, ya que existen programas de software que facilitan esta tarea, algunos de ellos son: Adobe Photoshop o GIMP. Estos programas hacen los cambios digitalmente, permitiendo un flujo de trabajo rápido y unos resultados más precisos. 
Denis Darzacq ha realizado esta curiosa galería de fotografías: son gente captada mientras realizaban saltos o acrobacias y dando una impresionante sensación de ingravidez.
El sitio Worth1000, famoso por convocar a concursos de retoque de Adobe Photoshop, propuso a sus usuarios un nuevo desafío: colocar en famosas obras de la historia del arte a personajes de dibujos animados.
Para analizar los anuncios que se proponen a continuación el alumno trabajará con la siguiente guía:
En esta guía se mencionan los siguientes temas que se aclaran en esta entrada del blog:
GÓTICO
Giotto, pintor gótico (1267-1336), comenzó a dotar de tridimensionalidad a sus composiciones pictóricas del Treceno, uno de los iniciadores de movimiento renacentista en Italia, su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores.
Trabaja con escenas enmarcadas en ambientes arquitectónicos para dar más realismo a los relatos representados, y para ello utiliza la perspectiva caballera en muchas ocasiones, o principios de perspectivas cónicas muy planas.
RENACIMIENTO
Renacimiento es un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se extendió después por toda Europa.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del Humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El término «renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica, griega y romana.
En este periodo los artistas empiezan a buscar la sensación espacial a través de la observación de la naturaleza, se logra la sensación de espacio mediante el uso metódico de la perspectiva cónica, donde las líneas paralelas de un objeto convergen hacia un determinado punto de fuga. Las figuras se van reduciendo en función de la distancia, lo que provoca la ilusión óptica de profundidad.
Entre los años 1416 y 1420, Filippo Brunelleschi, un artista y arquitecto florentino del renacimiento italiano, formuló las primeras leyes de la perspectiva cónica que utilizaron muchos artistas coetáneos. Para ellos se ayudó de instrumentos ópticos, como algún tipo de perspectógrafo.
Masaccio (1401 – 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. y se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
La Trinidad es un fresco realizado por este pintor. Los críticos del siglo XIX vieron en esta obra una revelación de los principios de Brunelleschi en arquitectura y el uso de la perspectiva, hasta el punto de que algunos creyeron que Brunelleschi intervino directamente en el diseño de la obra.
Fresco realizado por el pintor italiano renacentista Masaccio. Su título completo es la Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes (en italiano, Santa Trinità). Está pintado en uno de los muros laterales de la iglesia de Santa María Novella de Florencia en Italia.
Fra Angélico (1390–1455), pintor cuatrocentista italiano, llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción.
Fra Angelico (hacia 1395–1455)
Andrea Mantegna (1431–1506) fue un pintor del Quattrocento italiano.El siguiente cuadro «Lamentación sobre Cristo muerto» es una tempera sobre tela. La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura donde se acentúa el dramatismo en la imagen de la figura de Cristo por su violenta perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el tórax.
Lamentación sobre Cristo muerto, 1470-1474, Pinacoteca de Brera, Milán.
Escorzo es una palabra proveniente del italiano scorciare1. Es la representación de una figura situada oblicua o perpendicularmente al plano del papel o lienzo sobre el que se pinta, que se logra acortando sus líneas de acuerdo con las reglas de la perspectiva.
Leonardo Da Vinci fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo,artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio. Artista que experimentó con nuevas técnicas entre ellas a la que llamó esfumado que utilizó para dar una impresión de profundidad. Él define de esta manera la técnica «sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque».
Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en La Virgen de las Rocas (1483-1486), donde ya se considera totalmente logrado y sobre todo en Mona Lisa o el San Juan Bautista (cuadros conservados en el Louvre de París).
SIGLO XX
Escher (1898-1972) es u artista holandés famoso por sus grabados de figuras imposibles y mundos imaginarios. En sus composiciones los elementos están dispuestos de forma confusa produciendo como resultado falsas perspectivas. En ellas Escher refleja su interés por las matemáticas y la geometría.
Georges Rousese (1947) es un artista y fotógrafo francés donde vive y trabaja actualmente. Georges Rousse altera la fotografía practicando un enfoque que cambia la relación de la pintura con el espacio. Comenzó a hacer instalaciones en espacios abandonados creando efímeras transformación de estos sitios en espacios pictóricos que sólo son visibles en sus fotografías desde un único punto de vista, transformando los espacios tridimensionales en bidimensionales.
ARTE URBANO
Aakash Nihalani con cinta adhesiva de colores, ha desarrollado un arte urbano inspirado en la geometría y particularmente en la proyección isométrica, la representación visual de las figuras en tres dimensiones.
Empezó sus incursiones callejeras en Nueva York (su lugar de residencia), en el año 2007, y ha dejado su rastro en varias ciudades europeas y estadounidenses. Nihalani ve el escenario urbano como un sugerente conjunto de cubos que lo animan a “resaltar los contornos inesperados y la elegante geometría de la ciudad“. Algunas son puras figuras plasmadas en muros, otras son trucos visuales que sólo se pueden apreciar si se ve la obra desde un ángulo determinado. El artista también se autorretrata jugando con la perspectiva y a veces, a partir de varias fotografías, elabora gifs animados.
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