CUEVA DE LOS CABALLOS Cova dels Cavalls

Ubicada en el Barranco de la Valltorta, en el municipio de Tírig (Castellón, España)

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Datado hacia el 7.000 a. C.

La principal escena pintada en la roca se conoce como Cacería de ciervos: una manada de nueve ciervos, casi todos hembras y crías, al intentar escapar de unos batidores se acercan a cuatro arqueros que les disparan y hieren a algunos de los animales.

TÉCNICA

El pigmento, que sería mezclado con grasa animal o tal vez con resinas vegetales a modo de aglutinante.

Su aplicación se realizaría bien utilizando los dedos, o lo que parece más probable, con rudimentarios pinceles realizados con cerdas de animales, con los que sería posible elaborar los finos trazos de las extremidades tanto de animales como de hombres.

FUNCIÓN Y SIGNIFICADO

Según los diversos autores, estas pinturas carecen de un significado mágico o religioso como sí tuvieron las Pinturas Cantábricas, más bien parecen escenas de la vida cotidiana, aunque si parece que hubo una intención de constancia o trascendencia a generaciones futuras y es posible que los abrigos en los que se encuentran fueran lugares sagrados, donde se practicaran rituales religiosos durante años. Entre las pinturas encontradas existen infinidad de escenas que carecen de conexión, pueden tratarse de danzas rituales como en Cogull (Lérida), recolección de frutas como en Bicorp (Valencia) o esta misma

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La Danza del Cogul, Lérida. Calco de Henri Breuil. La escena de la danza es la más famosa. Aparecen nueve mujeres, cosa novedosa y única de estas pinturas, pintadas en negro y otras en rojo. Se las ve bailando alrededor de una figura masculina con el falo anormalmente grande. Junto con los humanos hay varios animales, así como una inscripción en escritura ibérica norteoriental y también en alfabeto latino, una de las cuales es un votum, cosa que indicaría que el lugar fue un santuario que se prolongó hasta la época ibérica y romana. En la Roca dels Moros hay 45 figuras, 7 de les cuales están grabadas en la piedra y 38 están pintadas de rojo claro, negro y rojo oscuro. .

 

CUEVA DE ALTAMIRA

 

Situadas en la región española de Cantabria, gozan del privilegio de ser el primer lugar del planeta donde se identificó arte rupestre del periodo  Paleolítico Superior.

Descubierta por Marcelino Sanz de Sautuola en  1879

Declarado Patrimonio Mundial por la Unesco.

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En el techo y muros de la cueva encontramos principalmente bisontes, caballos y ciervos, que son las ilustraciones de mayor tamaño; dibujadas en trazos negros; algunos rojos, y muchas rellenas también de este tono rojizo.

Las representaciones más grandes tienen entre 125 y 170 centímetros, y el detalle con el que están plasmados jorobas, pelajes y pezuñas dejó boquiabiertos a los científicos desde su descubrimiento, en 1868.

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Las pinturas y grabados de la cueva pertenecen a los períodos Magdaleniense y Solutrense principalmente y, algunos otros, al Gravetiense y al comienzo del Auriñaciense.

Pertenece a la ESCUELA FRANCO-CANTÁBRICA

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La Técnica

El artista de Altamira graba primero sobre la pared de la cueva la figura deseada con una piedra afilada.

Posteriormente pinta sobre lo grabado, marcando el contorno en negro con carbón vegetal.

El relleno va en ocre logrado a partir de óxido de hierro en polvo.

Utiliza agua para diluir los pigmentos y los aplica o con la mano o con un tampón de materia vegetal o bien por soplado (aerografía) con un hueso hueco de ave y proyectándolos como si de una cerbatana se tratara.

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Sala de Policromos

Todos los animales extintos hoy o casi todos están concentrados en el espectacular techo de 18 x 9 metros.

El artista los pinta muy realistas, con muchos detalles (hocico, ojos, cuernos, pelaje, sexo, pezuñas, rabo, etc.), los conoce muy bien en su anatomía y comportamiento. En un alarde de perfeccionismo, el pintor aprovecha los salientes naturales de la roca para pintar encima los bisontes y obtener un realismo absoluto con la sensación de relieve que se produce.

Significado

Primero se pensó en el “arte por el arte”, las figuras decorarían las cuevas dónde vivían. No obstante, las zonas pintadas son recónditas, de difícil acceso y contemplación.

Más creíble parece la hipótesis de la “Magia de Caza”, es decir, el artista pintaría los animales que después cazaría el clan.

Es más que probable que nunca lleguemos a conocer el verdadero significado de la pintura rupestre, pero casi seguro que tuvo una función ritual, incluso mágica. En qué medida este arte se creó porque sí, y esto no podemos descartarlo totalmente, seguirá siendo un misterio.

En este arte no hay suelo ni cielo, no hay ríos ni montañas, no hay sol ni luna; no hay árboles ni flores. Sólo animales y signos que parecen tener algo que decir. Su significado exacto es una incógnita.

 

 

COMPOSICIÓN

Descarga rl documento en formato doc COMPONER_TEORIA

El documento es igual que las siguientes tablas en las que hay que buscar y añadir las imégenes que se piden. Las imégenes explican las diferentes carácterísticas del arte de componer en el artte.

DOCUMENTO

  • Buscad qué significa componer en el arte. Debéis buscarlo en este enlace:

https://www.definicionabc.com/general/composicion.php

  • Dentro de la COMPOSICIÓN hay que tener en cuenta:

EL FORMATO

FORMA DEL LIENZO O SOPORTE SENSACIÓN ARTISTA IMAGEN
RECTANGULAR Vertical Es un retrato a ¾. El fondo negro resalta la figura. Está iluminada por el lateral izquierdo. ¿De quién es “la joven de la perla”?
Horizontal Masaccio

1401 – 1428

Renacimiento italiano

Tributo de la moneda
REDONDO Experimenta con un espejo convexo creando el efecto conocido posteriormente como OJO DE PEZ Girolamo Francesco Maria Mazzola llamado il Parmigianino

1503-1540

FORMATO ADAPTADO Rogier van der Weyden El Descendimiento de la Cruz
CUADRADO Malevich

1879-1935

Ucraniano

Cuadro negro sobre blanco
Unión de soportes TRÍPTICO El Bosco

Hieronymus Bosch

1450-1516

El jardín de las delicias
DÍPTICO Roy Fox Lichtenstein

1923- 1997

pintor estadounidense

EL TEMA

TEMA ARTISTA IMAGEN Descripción
PAISAJE URBANO Van Gogh La terraza del café de París. Utiliza un formato vertical y contrasta el color amarillo con los azules de la noche.
MARINA Monet
RURAL Jean-François Millet

Francés

las espigadoras
BODEGÓN Juan Sánchez Cotán

Toledo,1560-Granada, 1627

horizontal
RETRATO Rembrandt
POLÍTICA Eugène Delacroix Libertad guiando al pueblo
Juan Genovés El abrazo Formato horizontal y el color monocromática.
SOCIAL Banksy seudónimo

1973-

arte urbano británico.

AUTOBIOGRÁFICO Frida Kahlo las dos Fridas Es una composición simétrica y formato horizontal
IMÁGENES QUE PARECEN CONTAR UNA HISTORIA Edward Hopper Chop Suey

GRADOS DE ICONICIDAD

FIGURATIVA / ABSTRACTA

TIPO DE GRADO ARTISTA MOVIMIENTO ARTÍSTICO IMAGEN TÉCNICA
Muy alto Cindy Sherman

1954-

estadounidense

Untitled # 96 Fotografía. La fotografía está tomada desde una visión CENITAL
Alto Antonio López

1936-

Ciudad Real

España

Hiperrealista calles de Madrid
Alto Alberto Durero

1471-1528

alemán

Praying hands Dibujo
Medio Ernst Ludwig Kirchner

1880-1938

alemán

Die Brucke (El Puente)

Expresionismo

Artisti (Marcella)

Medio bajo Marcel Duchamp

1887-1968

francés

Dadaísmo

Desnudo bajando una escalera nº2

Bajo Paul Klee Senecio Óleo sobre cartón
Muy bajo Wassily Kandinsky primera obra abstracta Acuarela

SECCIÓN ÁUREA

  • ¿Qué es?
  • Buscad una imagen de Leonardo da Vinci que trabaje con la sección áurea.
  • Buscad un logotipo que trabaje con la sección áurea.
  • Buscad otro ejemplo en el que se utilice este recurso.

REGLA DE LOS TERCIOS

Buscad la imagen fotográfica de Cartier-Bresson de niño saltando un charco.

Imagen que juega con la regla de los tres tercios.

 

PROPORCIONALIDAD

Buscad la imagen “ Valores personales” de René Magritte y “Los elefantes” de Salvador Dalí. En el Surrealismo jugaban con las imágenes desproporcionadas.

ARTISTA IMAGEN
René Magritte
Salvador Dalí

EL RITMO

¿Qué es el ritmo en composición?

 

Elementos que se repiten ARTISTA IMAGEN
Bailarinas Degas
Extremidades del animal Giacomo Balla perro
Escher metamorfosis
René Magritte

Golconda

PROFUNDIDAD

Imagen plana figurativa Matisse
Imagen plana abstracta Matisse
imagen con profundidad figurativa Munch
imagen con profundidad abstracta

Bridget Riley

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LA SIMETRÍA

  • Buscad la imagen fotográfica de Man Ray: el violín de Ingres

SENSACIONES

SENSACIÓN DESCRIPCIÓN ARTISTA IMAGEN
Caos Paul Jackson Pollock

1912-1956

Tranquilidad Claude Monet Lirios en el agua
Alegría Picasso imágenes de periodo rosa y arlequines
Tristeza Predominan los colores fríos: azules, verdes,violetas Picasso Periodo azul
De horror Francisco José de Goya y Lucientes

1746 -1828

Pinturas negras
Orden Demian Hirst Spot paintings
Soledad Caspar David Friedrich

1774 -1840

alemán

Viajero sobre un mar de nubes

LÍNEAS PREDOMINANTES

Líneas Artista Imagen
TRIÁNGULO Manet
En cuña Piranesi cárceles imaginarias
Horizontales y verticales Mondrian
Diagonal Goya La maja vestida
Círculo Matisse La danza

PUNTOS DE VISTA

PUNTO DE VISTA IMAGEN (pueden ser fotografías propias o buscadas en Internet)
CENITAL
NADIR
CONTRAPICADO
PICADO
NORMAL

 

 

 

 

 

ESTRUCTURA MODULAR

Módulo base

Red modular

La redes modulares simples están formadas por la repetición de una sola figura, normalmente geométrica (triángulo, rectángulo, hexágono,…).

 

Las redes modulares compuestas están formadas por varias figuras geométricas o por la superposición de varias redes modulares simples.

Estructura modula

Estructura modular bidimensional

Estructura modular en el diseño gráfico

Estructura modular tridimensional

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Estructura modular en el diseño de producto

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Estructura modular en la arquitectura

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Colegio de Arquitectos, Tenenrife. Arquitecto Luis Cabrera.

 

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En el arte islámico se observa en los mocárabes, las yeserías, las celosias.

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ESPIRAL POLIGONAL

IGUALDAD

Dos figuras se denominan iguales cuando todos sus ángulos y lados coinciden al ser superpuestas.

 

PODEMOS HACER FIGURAS IGUALES POR:

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 TRIANGULACIÓN

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 COORDENADAS

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GIRO O ROTACIÓN

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SEMEJANZA

Dos figuras son semejantes cuando sus ángulos son iguales y  sus lados paralelos y con magnitudes proporcionales.

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MËTODOS PARA HACER FIGURAS SEMEJANTES:

Radiación

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RADIACIÓN INVERSA

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TRABAJAREMOS LA SEMEJANZA MEDIANTE UNA ESPIRAL POLIGONAL

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ESCHER

Maurits Cornelis Escher ( Países Bajos, 1898- 1972), más conocido como M. C. Escher, fue un artista conocido por sus dibujos de  figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios.

Uno de sus trabajos más destacados, son las obras en las que predominan estructuras modulares creando metamorfosis de las formas.

De  Metamorfosis  existen tres obras de Escher distintas bajo el mismo nombre, numeradas como I, II y III, bastante separadas en el tiempo y fáciles de distinguir:

  • Metamorfosis I (1937) es la primera obra de esta serie: muestra una transición gradual que empieza con las casas de un pequeño pueblo (Atrani, en Italia) que se difuminan suavamente a través de un breve patrón geométrico que finalmente queda transformado en un muñeco.

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  • Metamorfosis II (1939-1940) es mucho más elaborada y la más conocida: a ambos lados están las palabras metamorphose y un tablero de ajedrez se convierte en insectos, pájaros, peces y finalmente en el pueblecito de Atrani, que se metamorfosea en bellas piezas de ajedrez tridimensionales, de vuelta al principio. El original mide 4 metros de largo y 20 cm. de alto y es un grabado en madera en negro, verde y marrón.

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http://www.3quarks.com/en/Metamorphose/index.html

Metamorfosis III (1967-1868) podría decirse que es una variante mejorada de la anterior, sin duda menos conocida (de hecho en algunos libros y listados de sus obras ni siquiera figura). También es una de las últimas obras de Escher y la más grande en tamaño. Comienza exactamente igual que la II, pero junto a los motivos previos añade nuevos patrones como barcos, caballos o unos curiosos «sobres de correos con alas».

IMÁGENES PARA TRABAJAR

Términos:

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Ejemplos de trabajos del curso 2018-2019

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Tangencias

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Las normas  básicas que se cumplen en tangencias:

  1. En todo ejercicio de tangencias se debe indicar el punto de tangencias.  Un ejercicio de tangencias debe estar siempre resuelto indicando los puntos.
  2. Dos circunferencias tangentes tienen sus centros alineados con el Punto de Tangencia. Ya sean circunferencias interiores o exteriores, como vemos en la imagen superior.
  3. El Punto de Tangencia de una recta con una circunferencia se encuentra en la perpendicular a la recta tangente que pasa por el centro de la circunferencia. Tamboén se muestra en la imagen superior.

Para practicar la primera regla, el siguiente ejercicio enlaza arcos de circunferencia, para conseguir una línea ondulada lineal los centros de los arcos de circunferencia deben ir alienado con el punto de tangencia, es decir, los puntos de los segmentos de la línea quebrada.

Para realizar el ejercicio se parte de una línea quebrada formada por 10 segmentos. A continuación se siguen los pasos del 1 al 4.

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Se trabajará con la siguiente imagen y medidas.

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TÉCNICAS PICTÓRICAS

Antes de la clasificación de las técnicas pictóricas comentaremos los elementos por los que se componen normalmente las pinturas:

  • Pigmentos
  • Aglutinantes
  • Diluyentes o disolventes

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Hoy día los pigmentos se preparan de forma industrial, pero antes de la era industrial todo pintor debía conocer cómo prepararlos.

Los pigmentos se extraían en forma de polvo, ya que las sustancias se colocaban en una muela. Aunque los pigmentos podían ser orgánicos o inorgánicos. Los orgánicos, a su vez, pueden ser de origen animal (insectos de la laca, cochinilla, sepia, hueso…) o vegetal (corteza de árbol, raíces, semillas, flores..). Los inorgánicos son aquellos compuestos químicos o minerales, como la tierra coloreada, los metales, las piedras semipreciosas.

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los aglutinantes, que unen las partículas del pigmento en una capa continua, al mezclarse con el pigmento seco forman la pintura aportando fluidez. Esto es lo que cambia la técnica pictórica, pues en cada una lleva un tipo de aglutinante.

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El disolvente le ayudará al artista a disolver y licuar la capa de pintura, dependiendo de la técnica se usará un tipo de diluyente (agua, aguarrás, acetona…).

Una vez que conocemos sus componentes clasificaremos las técnicas pictóricas en:

 

LEYES DE GESTALT_ LEYES PERCEPTIVAS

Las leyes de la percepción fueron enunciadas por  Max Wertheimer, Wolfgang Köhler y Kurt Koffka; quienes en un laboratorio de psicología experimental observaron que el cerebro humano organiza las percepciones como totalidades (Gestalts) de acuerdo con ciertas leyes a las que denominaron «leyes de la percepción».

El término alemán Gestalt se ha traducido como «forma» o «configuración», pero debido a que no tiene una traducción exacta, suele mantenerse en alemán.

  • LEY DE FIGURA-FONDO.
  • LEY DE BUENA FORMA.
  • LEY DE CIERRE.
  • LEY DEL CONTRASTE.
  • LEY DE PROXIMIDAD.
  • LEY DE SEMEJANZA.
  • LEY DE SIMETRÍA

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LEY DE FIGURA FONDO

Figura, es un elemento que existe en un espacio destacándose en su interrelación con otros elementos. 

Fondo: Todo aquello que no es figura.Es la parte del campo que contiene elementos interrelacionados que no son centro de atención. El fondo sostiene y enmarca a la figura y por su contraste menor tiende a no ser percibido o a ser omitido.   

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La percepción sucede en forma de «recortes»; percibimos zonas del campo perceptual en las que centramos la atención y a las que llamamos «figura» y zonas circundantes que quedan justamente en un plano de menor jerarquía al que denominamos «fondo».  

El conjunto figura-fondo constituye una totalidad o gestalt. Esto significa que no existe figura sin un fondo que la sustente.

Según el lugar donde posemos la atención pueden emerger diferentes figuras de lo que antes era el «fondo».

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En ocasiones el conjunto está compuesto por estímulos de igual intensidad como es el caso de los perfiles y el cáliz que vemos arriba, y en ocasiones es difícil diferenciar figura-fondo. Esto muchas veces nos sucede frente a situaciones en las que no podemos hacer figura y aislar un componente porque varios de ellos se nos imponen o ninguno. La percepción de campos inestructurados o difusos  provoca un efecto desestructurante sobre la psiquis, confunde. La mente «quiere» figuras claras para focalizar o enlazar su energía, es así que cuando no podemos reconocer forma familiar puede devenir ansiedad, Como sucede con las obras de arte abstracto, siempre intentamos darles un ordenamiento y una interpretación conforme a la propia experiencia. 

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(1866-1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura. «Black and Violet»,1923.

LEY DE BUENA FORMA.

Los elementos son organizados en figuras lo más simples que sea posible, (simétricas, regulares y estables)

El cerebro intenta organizar los elementos percibidos de la mejor forma posible, esto incluye el sentido de perspectiva, volumen, profundidad etc. El cerebro prefiere las formas integradas, completas y estables. Esta ley de alguna manera involucra a otras leyes, ya que el cerebro prefiere también  formas cerradas, continuas, simétricas (ley del cierre; ley de la continuidad), con buen contraste (figura- fondo) es decir, nítidas, definidas. 

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En las figuras anteriores intentamos resolver la imagen buscando lo conocido como un elefante o unas columnas..

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Chema Madoz, (Madrid, 1958), reconocido fotógrafo español al que en el año 2000 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Sus imágenes son poesías_visuales.

La imagen anterior crea tensión en nuestro cerebro, no somos capaces de concebir el objeto roto y nuestro primer impulso será colocarlo en el lugar que le corresponde para conseguir la forma perfecta.En las figuras de al lado la percepción intenta resolverlas en cosas conocidas como un elefante o unas columnas aunque no lo son. Así en la última figura por ejemplo solo tiene sentido si miramos una parte de la figura, la inferior o la superior, pero cuando intentamos organizarla como un «todo» entonces aparece la dificultad.

LEY DE CIERRE

Las formas cerradas y acabadas son más estables visualmente, lo que hace que tendamos a «cerrar» y a completar con la imaginación  las formas percibidas buscando la mejor organización posible.

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Las formas abiertas o inconclusas provocan incomodidad y por lo que tendemos a completar con la imaginación aquello que falta.

Esta ley es muy utiliza en publicidad y en diseños de logotipos donde crean en el espectador juegos visuales de percepción que ayudan a retener durante más tipo la imagen.

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LEY DEL CONTRASTE:

Sin contraste no hay percepción, su el fondo es blanco y escribo con tinta blanca no podre percibir la figura. 

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Es otra de las leyes muy utilizadas en anuncios publicitarios y en fotografía para atraer al espectador y que este fije la mirada en puntos concretos de la imagen.

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Chema Madoz

Oliviero Toscani (1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

LEY DE PROXIMIDAD

Los elementos tienden a agruparse con los que se encuentran a menor distancia y buscar una figura.

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LEY DE SEMEJANZA:

Se tiende a agrupar los elementos de igual clase, de modo que lo semejante tiende a asociarse, mientras que la diversidad tiende a disociar

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 LEY DE SIMETRÍA

Es el uso de figuras exactamente divididas de forma geométrica de modo que nosotros nos sintamos cómodos en cuanto al equilibrio que se presente.

LEY DE SIMETRIA

Storm Thorgerson ( 1944 – 2013) fue un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en el que diseñó algunas de las más conocidas cubiertas de discos y singles. Sus diseños más conocidos fueron los que realizó para Pink Floyd .

simetria

Frida Kahlo (1907-1954), fue una pintora y poetisa mexicana.Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo marcada por el infortunio de contraer poliomielitis y después por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional,

Colores Cálidos_Fríos_Sinestesía Cromática

teoria-del-color-y-circulo-cromatico_24603_1_1La división entre colores cálidos y fríos se logra trazando una línea en el círculo cromático desde el amarillo-verde hasta el rojo-violeta.

Los colores de uno de los lados, que contienen rojo y amarillo, son los cálidos, y en lado opuesto, el azul y los colores que contienen esa mezcla, son los fríos. Los colores verde y violeta puros son neutros y su grado de temperatura depende de la proporción en que se les adicione rojo, amarillo o azul.

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Los colores cálidos tienen un efecto estimulante y dan la impresión de avanzar,  que se adelantan de la superficie que los contiene. Esto provoca sensación de cercanía. Son colores vitales, alegres y activos.

Los colores cálidos en matices claros: cremas, rosas, etc, sugieren delicadeza, feminidad, amabilidad, hospitalidad y regocijo. Todo ello lo podemos ver en la obra de «Senecio» de Paul Klee.

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Senecio, 1922, Paul Klee

Tras las formas abstractas podemos ver la representación de una figura humana en primer plano como si de un retrato se tratase. Las formas geométricas nos dejan adivinar los distintos elementos de modo que el rostro es una gran circunferencia, el cuello un cuadrado y lo poco que se deja adivinar del torso sería un rectángulos con las esquinas redondeadas.

Los colores son cálidos y se superponen en manchas unos con los otros configurando el personaje y situándose en armonía con el fondo neutro de color anaranjado. La obra pertenece a una serie de pinturas que el artista realizó durante los años veinte con temática circense, de esta manera nuestro personaje conformado por manchas de colores remite a las vestimentas de los arlequines y está en consonancia con otras obras del artista como por ejemplo The Clown.

The Clown, 1929, Paul Klee

The Clown, 1929, Paul Klee

Los colores cálidos en su matiz oscuro se consideran como estimulantes, alegres y hasta excitantes, como podemos comprobar en la obra de Van Gogh «El Café nocturno en el Place Lamartine de Arles» (1888)

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Vincent Willem van Gogh (1853 -1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.

 

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Los colores fríos producen una acción relajante y un efecto de retroceso, alejamiento, generando sensación de distanciamiento. Producen una impresión de reposo, calma y tranquilidad, y utilizados solos pueden dar efecto de poca intimidad y de tristeza.

Los colores fríos son tranquilos y sedantes y en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz. Aquí tenemos «Las dos Hermanas» (1909) de Joaquín Sorolla en la que usa estos colores.

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Joaquín Sorolla y Bastida (1863_ 1923) fue un pintor español. Artista prolífico, dejó más de 2200 obras catalogadas. Su obra madura ha sido etiquetada como impresionista, postimpresionista y luminista.

En los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. Ésto es evidente en la obra de Picasso «El guitarrista ciego» (1903).

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El guitarrista ciego. Pablo Picasso 1903. Chicago Art Institute.

Esta obra pertenece al período azul de Picasso. En él retrata con melancolía y expresividad mendigos y personas sencillas denunciando la situación de pobreza y miseria de su época. A lo mejor cuando lo observamos pensamos, “pues tiene el cuello muy largo, o la figura es algo plana, la contorsión es algo extremista…” pero quizás de una forma más real no hubiera sido capaz de mostrar con más sentimiento y melancolía al anciano guitarrista, la hambruna, la soledad,  y a pesar de todo la poesía con la que a pesar de su fragilidad toca esa guitarra de líneas onduladas. El color azul domina el cuadro, se trata de un color frío, como fría y monócroma es la situación del vulnerable mendigo. La cabeza  cae hacia abajo enmarcando con ella horizontalmente el cuadro como enmarcada se encuentra la perspectiva de su vida frágil y vulnerable.

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La sinestesia cromática es una combinación de los sentidos. Consiste en experimentar sensaciones provenientes de diferentes sentidos a la vez ante un sólo acto perceptivo. Más claramente esto se da cuando ciertos colores nos aparecen ligados a sensaciones físicas, como por ejemplo, del gusto o del tacto. Ciertos tonos de naranja, amarillo y verde pueden parecernos ácidos al gusto, porque los asociamos al color de las frutas cítricas: naranja, limón y pomelo. Por su parte colores claros y pasteles como el rosado, tonalidades de amarillo pálido y celeste, pueden parecernos más dulces, porque los asociamos a los colores de los caramelos o de los malvaviscos.

Ciertos colores fuertes y saturados pueden aparecer como duros al tacto, ya que dura es también la forma en que llegan a nuestros ojos, llamando mucho la atención y destacando por sobre otros colores en la misma composición. Contrariamente, los colores más pasteles y menos saturados, los percibimos como blandos al tacto, puesto a que no se resisten a combinarse entre sí y llaman menos la atención.