Para analizar los anuncios que se proponen a continuación el alumno trabajará con la siguiente guía:
En esta guía se mencionan los siguientes temas que se aclaran en esta entrada del blog:
Antes de la clasificación de las técnicas pictóricas comentaremos los elementos por los que se componen normalmente las pinturas:
Hoy día los pigmentos se preparan de forma industrial, pero antes de la era industrial todo pintor debía conocer cómo prepararlos.
Los pigmentos se extraían en forma de polvo, ya que las sustancias se colocaban en una muela. Aunque los pigmentos podían ser orgánicos o inorgánicos. Los orgánicos, a su vez, pueden ser de origen animal (insectos de la laca, cochinilla, sepia, hueso…) o vegetal (corteza de árbol, raíces, semillas, flores..). Los inorgánicos son aquellos compuestos químicos o minerales, como la tierra coloreada, los metales, las piedras semipreciosas.
los aglutinantes, que unen las partículas del pigmento en una capa continua, al mezclarse con el pigmento seco forman la pintura aportando fluidez. Esto es lo que cambia la técnica pictórica, pues en cada una lleva un tipo de aglutinante.
El disolvente le ayudará al artista a disolver y licuar la capa de pintura, dependiendo de la técnica se usará un tipo de diluyente (agua, aguarrás, acetona…).
Una vez que conocemos sus componentes clasificaremos las técnicas pictóricas en:
Las leyes de la percepción fueron enunciadas por Max Wertheimer, Wolfgang Köhler y Kurt Koffka; quienes en un laboratorio de psicología experimental observaron que el cerebro humano organiza las percepciones como totalidades (Gestalts) de acuerdo con ciertas leyes a las que denominaron «leyes de la percepción».
El término alemán Gestalt se ha traducido como «forma» o «configuración», pero debido a que no tiene una traducción exacta, suele mantenerse en alemán.
LEY DE FIGURA FONDO
(1866-1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura. «Black and Violet»,1923.
LEY DE BUENA FORMA.
El cerebro intenta organizar los elementos percibidos de la mejor forma posible, esto incluye el sentido de perspectiva, volumen, profundidad etc. El cerebro prefiere las formas integradas, completas y estables. Esta ley de alguna manera involucra a otras leyes, ya que el cerebro prefiere también formas cerradas, continuas, simétricas (ley del cierre; ley de la continuidad), con buen contraste (figura- fondo) es decir, nítidas, definidas.
En las figuras anteriores intentamos resolver la imagen buscando lo conocido como un elefante o unas columnas..
Chema Madoz, (Madrid, 1958), reconocido fotógrafo español al que en el año 2000 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Sus imágenes son poesías_visuales.
LEY DE CIERRE
Las formas abiertas o inconclusas provocan incomodidad y por lo que tendemos a completar con la imaginación aquello que falta.
Esta ley es muy utiliza en publicidad y en diseños de logotipos donde crean en el espectador juegos visuales de percepción que ayudan a retener durante más tipo la imagen.
LEY DEL CONTRASTE:
Sin contraste no hay percepción, su el fondo es blanco y escribo con tinta blanca no podre percibir la figura.
Es otra de las leyes muy utilizadas en anuncios publicitarios y en fotografía para atraer al espectador y que este fije la mirada en puntos concretos de la imagen.
Chema Madoz
Oliviero Toscani (1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.
LEY DE PROXIMIDAD
Los elementos tienden a agruparse con los que se encuentran a menor distancia y buscar una figura.
![Gestalt_proximidad[1]](https://tooscreativos.files.wordpress.com/2016/02/gestalt_proximidad1.png?w=1000)
LEY DE SEMEJANZA:
Se tiende a agrupar los elementos de igual clase, de modo que lo semejante tiende a asociarse, mientras que la diversidad tiende a disociar
LEY DE SIMETRÍA
Es el uso de figuras exactamente divididas de forma geométrica de modo que nosotros nos sintamos cómodos en cuanto al equilibrio que se presente.
Storm Thorgerson ( 1944 – 2013) fue un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en el que diseñó algunas de las más conocidas cubiertas de discos y singles. Sus diseños más conocidos fueron los que realizó para Pink Floyd .
Frida Kahlo (1907-1954), fue una pintora y poetisa mexicana.Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo marcada por el infortunio de contraer poliomielitis y después por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional,
La división entre colores cálidos y fríos se logra trazando una línea en el círculo cromático desde el amarillo-verde hasta el rojo-violeta.
Los colores de uno de los lados, que contienen rojo y amarillo, son los cálidos, y en lado opuesto, el azul y los colores que contienen esa mezcla, son los fríos. Los colores verde y violeta puros son neutros y su grado de temperatura depende de la proporción en que se les adicione rojo, amarillo o azul.
Los colores cálidos tienen un efecto estimulante y dan la impresión de avanzar, que se adelantan de la superficie que los contiene. Esto provoca sensación de cercanía. Son colores vitales, alegres y activos.
Los colores cálidos en matices claros: cremas, rosas, etc, sugieren delicadeza, feminidad, amabilidad, hospitalidad y regocijo. Todo ello lo podemos ver en la obra de «Senecio» de Paul Klee.
Senecio, 1922, Paul Klee
Tras las formas abstractas podemos ver la representación de una figura humana en primer plano como si de un retrato se tratase. Las formas geométricas nos dejan adivinar los distintos elementos de modo que el rostro es una gran circunferencia, el cuello un cuadrado y lo poco que se deja adivinar del torso sería un rectángulos con las esquinas redondeadas.
Los colores son cálidos y se superponen en manchas unos con los otros configurando el personaje y situándose en armonía con el fondo neutro de color anaranjado. La obra pertenece a una serie de pinturas que el artista realizó durante los años veinte con temática circense, de esta manera nuestro personaje conformado por manchas de colores remite a las vestimentas de los arlequines y está en consonancia con otras obras del artista como por ejemplo The Clown.
The Clown, 1929, Paul Klee
Los colores cálidos en su matiz oscuro se consideran como estimulantes, alegres y hasta excitantes, como podemos comprobar en la obra de Van Gogh «El Café nocturno en el Place Lamartine de Arles» (1888)
Vincent Willem van Gogh (1853 -1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.
Los colores fríos producen una acción relajante y un efecto de retroceso, alejamiento, generando sensación de distanciamiento. Producen una impresión de reposo, calma y tranquilidad, y utilizados solos pueden dar efecto de poca intimidad y de tristeza.
Los colores fríos son tranquilos y sedantes y en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz. Aquí tenemos «Las dos Hermanas» (1909) de Joaquín Sorolla en la que usa estos colores.
Joaquín Sorolla y Bastida (1863_ 1923) fue un pintor español. Artista prolífico, dejó más de 2200 obras catalogadas. Su obra madura ha sido etiquetada como impresionista, postimpresionista y luminista.
En los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. Ésto es evidente en la obra de Picasso «El guitarrista ciego» (1903).
El guitarrista ciego. Pablo Picasso 1903. Chicago Art Institute.
Esta obra pertenece al período azul de Picasso. En él retrata con melancolía y expresividad mendigos y personas sencillas denunciando la situación de pobreza y miseria de su época. A lo mejor cuando lo observamos pensamos, “pues tiene el cuello muy largo, o la figura es algo plana, la contorsión es algo extremista…” pero quizás de una forma más real no hubiera sido capaz de mostrar con más sentimiento y melancolía al anciano guitarrista, la hambruna, la soledad, y a pesar de todo la poesía con la que a pesar de su fragilidad toca esa guitarra de líneas onduladas. El color azul domina el cuadro, se trata de un color frío, como fría y monócroma es la situación del vulnerable mendigo. La cabeza cae hacia abajo enmarcando con ella horizontalmente el cuadro como enmarcada se encuentra la perspectiva de su vida frágil y vulnerable.
TRABAJOS COLORES CÁLIDOS_FRÍOS
La sinestesia cromática es una combinación de los sentidos. Consiste en experimentar sensaciones provenientes de diferentes sentidos a la vez ante un sólo acto perceptivo. Más claramente esto se da cuando ciertos colores nos aparecen ligados a sensaciones físicas, como por ejemplo, del gusto o del tacto. Ciertos tonos de naranja, amarillo y verde pueden parecernos ácidos al gusto, porque los asociamos al color de las frutas cítricas: naranja, limón y pomelo. Por su parte colores claros y pasteles como el rosado, tonalidades de amarillo pálido y celeste, pueden parecernos más dulces, porque los asociamos a los colores de los caramelos o de los malvaviscos.
Ciertos colores fuertes y saturados pueden aparecer como duros al tacto, ya que dura es también la forma en que llegan a nuestros ojos, llamando mucho la atención y destacando por sobre otros colores en la misma composición. Contrariamente, los colores más pasteles y menos saturados, los percibimos como blandos al tacto, puesto a que no se resisten a combinarse entre sí y llaman menos la atención.
Las graduaciones de color dependen de la técnica que se emplee y del degradado que se quiera conseguir de luminosidad o de tonalidad.
En técnicas acuosas como las témperas o el óleo es necesario ir mezclando dos colores variando las proporciones de más a menos cantidad de uno y viceversa del otro. Sin embargo, las acuarelas incluyen capas de transparencia que a medida que se solapan los colores consiguen zonas menos luminosas.
Gracias a esta utilización del color mediante escalas se consiguen efectos tridimensionales.
La técnica de claroscuro consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos. Las escalas de valor y tonalidad permiten crear mayores efectos de relieve y modelado de las formas.
CLAROSCURO Y GRADACIONES DE COLOR EN LA HISTORIA DE LA PINTURA
El CLAROSCURO:
El CLAROSCURO es una técnica plástica basada en el contraste entre la luz y la sombra para definir el volumen y la importancia de determinadas formas en la composición. Se comienza a trabajar bajo estas claves a partir del Cinquecento (s. XVI) por pintores flamencos e italianos.
La pintura del Cinquecento supone la cumbre del Renacimiento italiano. y los artistas más destacados son: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y Rafael Sanzio.
En el Barroco (s. XVI y XVII) se llega al cenit de la técnica del claroscuro gracias a artistas como Caravaggio, donde la técnica evoluciona a una aplicación más radical, el TENEBRISMO (s. XVII).
Conceptualmente el claroscuro es una premisa que llega hasta nuestros días a través de distintos medios (también la fotografía o el cine) Un ejemplo de ello es la importancia de estos recursos en el EXPRESIONISMO ALEMÁN de principios del s. XX.
La gradación de color fue usada con éxito por artistas como Mark Rothko en su conocida pintura titulada Orange,Red, Yellow (1961).
Marcus Rothkowitz ( 1903-1970), conocido como Mark Rothko, fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto.
El artista Peter Wegner creó «Guillotine of Sunlight, Guillotine of Shade» with equally impressive results.La obra es creada usando 1.4 million de hojas de papel en 40 colores diferentes. Uno de las paredes de la galería esta cubierta en amarillo, verde y azul, mientras la otra pared es cubierta con naranja, rojo y amarillo.
TRABAJOS CON ESCALAS DE COLOR Y EL CLAROSCURO
GÓTICO
Giotto, pintor gótico (1267-1336), comenzó a dotar de tridimensionalidad a sus composiciones pictóricas del Treceno, uno de los iniciadores de movimiento renacentista en Italia, su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores.
Trabaja con escenas enmarcadas en ambientes arquitectónicos para dar más realismo a los relatos representados, y para ello utiliza la perspectiva caballera en muchas ocasiones, o principios de perspectivas cónicas muy planas.
RENACIMIENTO
Renacimiento es un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se extendió después por toda Europa.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del Humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El término «renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica, griega y romana.
En este periodo los artistas empiezan a buscar la sensación espacial a través de la observación de la naturaleza, se logra la sensación de espacio mediante el uso metódico de la perspectiva cónica, donde las líneas paralelas de un objeto convergen hacia un determinado punto de fuga. Las figuras se van reduciendo en función de la distancia, lo que provoca la ilusión óptica de profundidad.
Entre los años 1416 y 1420, Filippo Brunelleschi, un artista y arquitecto florentino del renacimiento italiano, formuló las primeras leyes de la perspectiva cónica que utilizaron muchos artistas coetáneos. Para ellos se ayudó de instrumentos ópticos, como algún tipo de perspectógrafo.
Masaccio (1401 – 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. y se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
La Trinidad es un fresco realizado por este pintor. Los críticos del siglo XIX vieron en esta obra una revelación de los principios de Brunelleschi en arquitectura y el uso de la perspectiva, hasta el punto de que algunos creyeron que Brunelleschi intervino directamente en el diseño de la obra.
Fresco realizado por el pintor italiano renacentista Masaccio. Su título completo es la Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes (en italiano, Santa Trinità). Está pintado en uno de los muros laterales de la iglesia de Santa María Novella de Florencia en Italia.
Fra Angélico (1390–1455), pintor cuatrocentista italiano, llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción.
Fra Angelico (hacia 1395–1455)
Andrea Mantegna (1431–1506) fue un pintor del Quattrocento italiano.El siguiente cuadro «Lamentación sobre Cristo muerto» es una tempera sobre tela. La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura donde se acentúa el dramatismo en la imagen de la figura de Cristo por su violenta perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el tórax.
Lamentación sobre Cristo muerto, 1470-1474, Pinacoteca de Brera, Milán.
Escorzo es una palabra proveniente del italiano scorciare1. Es la representación de una figura situada oblicua o perpendicularmente al plano del papel o lienzo sobre el que se pinta, que se logra acortando sus líneas de acuerdo con las reglas de la perspectiva.
Leonardo Da Vinci fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo,artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio. Artista que experimentó con nuevas técnicas entre ellas a la que llamó esfumado que utilizó para dar una impresión de profundidad. Él define de esta manera la técnica «sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque».
Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en La Virgen de las Rocas (1483-1486), donde ya se considera totalmente logrado y sobre todo en Mona Lisa o el San Juan Bautista (cuadros conservados en el Louvre de París).
SIGLO XX
Escher (1898-1972) es u artista holandés famoso por sus grabados de figuras imposibles y mundos imaginarios. En sus composiciones los elementos están dispuestos de forma confusa produciendo como resultado falsas perspectivas. En ellas Escher refleja su interés por las matemáticas y la geometría.
Georges Rousese (1947) es un artista y fotógrafo francés donde vive y trabaja actualmente. Georges Rousse altera la fotografía practicando un enfoque que cambia la relación de la pintura con el espacio. Comenzó a hacer instalaciones en espacios abandonados creando efímeras transformación de estos sitios en espacios pictóricos que sólo son visibles en sus fotografías desde un único punto de vista, transformando los espacios tridimensionales en bidimensionales.
ARTE URBANO
Aakash Nihalani con cinta adhesiva de colores, ha desarrollado un arte urbano inspirado en la geometría y particularmente en la proyección isométrica, la representación visual de las figuras en tres dimensiones.
Empezó sus incursiones callejeras en Nueva York (su lugar de residencia), en el año 2007, y ha dejado su rastro en varias ciudades europeas y estadounidenses. Nihalani ve el escenario urbano como un sugerente conjunto de cubos que lo animan a “resaltar los contornos inesperados y la elegante geometría de la ciudad“. Algunas son puras figuras plasmadas en muros, otras son trucos visuales que sólo se pueden apreciar si se ve la obra desde un ángulo determinado. El artista también se autorretrata jugando con la perspectiva y a veces, a partir de varias fotografías, elabora gifs animados.
El Sistema Cónico es un Sistema de Representación que nos permite representar una realidad de 3 dimensiones en un formato de 2 dimensiones.
Mientras que en los Sistemas Diédrico y Axonométrico el observador se encuentra en el infinito, en Sistema Cónico el observador se puede definir en un punto finito. Por eso es el Sistema de Representación más parecido al ojo humano. En lugar de utilizar proyecciones cilíndricas (paralelas), utiliza proyecciones cónicas, que confluyen en un punto. Este punto es el centro de proyección y también se conoce como Punto de Vista.
El Sistema de Representación más parecido al ojo humano es el Sistema Cónico. Por ello es el más utilizado para el dibujo artístico y también el que podemos apreciar en la fotografía
Plano del Cuadro (PC): Es el plano vertical, el plano donde dibujamos.
Dada la Perspectiva Cóinca definida por el punto V, la Línea de Horizonte y la Línea de Tierra se pide:
Para resolver el cubo que está en el dibujo superior en la parte derecha, sólo tienes que conocer 2 reglas básicas de la Perspectiva Cónica Frontal:
La diagonal del cuadrado forma 45º con la Línea de Tierra y pasa por los puntos C y E. Por tanto, al unirlo con el punto métrico D obtendrás la posición de C y E. Con dos rectas paralelas a la Línea de Tierra por C y E tienes la posición de D y F.
La altura del cubo es igual al lado del cuadrado, es decir L. Esta deberás colocarla en la Línea de Tierra, como siempre. Proyecta dicha altura hacia el punto P. Desde cada punto de la cónica C, D, E y F dibuja una recta vertical y obtendrás directamente los puntos E’ y F’. Para obtener C’ y D’ deberás dibujar dos rectas paralelas a la Línea de Tierra, por E’ y F’. Fíjate que la recta C’-D’ también fuga hacia P.
EJEMPLOS DE ALUMNADO
CUBO
TETRAEDRO
Perspectiva Cónica Oblicua.
A todos los efectos, tanto perspectiva frontal como oblicua, funcionan de la misma manera y tienen básicamente los mismos elementos.
Las pequeñas diferencias en sus elementos son las siguientes:
Al igual que funciona la Cónica Frontal, se define un Sistema Cónico por:
Al dibujar un cubo se puede observar que el planteamiento es similar al de la cónica frontal, con la única diferencia de que la planta del cubo está girada con respecto a la Línea de Tierra.
Dibujar la planta de un cubo en perspectiva cónica oblicua
Lo primero que hay que hacer es encontrar los Puntos de Fuga. Cada dirección de la pieza tendrá un Punto de Fuga y todas las aristas con esa dirección fugarán a ese Punto de Fuga. Es decir las anchuras irán a un punto de fuga y las profundidades al otro.
Dibuja una recta paralela al lado AB que pase por el punto (V). Esta definirá sobre la Línea de Horizonte el Punto de Fuga F2. Dibuja una recta paralela al lado AD por el punto (V) y cortará a la Línea de Horizonte en el Punto de Fuga F1. (Fíjate en el dibujo siguiente)
Observando el dibujo entenderás mejor como crear la planta en perspectiva.
Altura del cubo
La altura del cubo o hexaedro es igual al lado del cuadrado de la base y, al igual que en la Perspectiva Cónica Frontal, hay que situarla sobre la Línea de Tierra con magnitud real, en una recta perpendicular a esta. Recuerda que sólo puedes tomar medidas en Verdadera Magnitud en la Línea de Tierra, porque es la Línea de Verdaderas Magnitudes.
IMÁGENES ARTÍSTICAS
CONSTRUCCIÓN DE CUADRILÁTEROS
CUADRADO, RECTÁNGULO, ROMBO
Antes de explicar las figuras que aparecen en el título, repasamos los dos principios básicos de tangencias, ya que la construcción de estas figuras se realizan con estos simples conocimientos de tangencia.
El punto de tangencia entre una recta y una circunferencia se consigue trazando la perpendicular a la recta que pasa por el punto central de la circunferencia.
Eñ punto de tangencia entre dos circunferencias, el punto de tangencia se consigue al unir ambos centros de circunferencia. Las circunferencias pueden ser exteriores o interiores.
FIGURAS
Un óvalo es una curva cerrada compuesta por un número par de arcos de circunferencia enlazados entre sí y simétricos respecto a sus ejes mayor y menor.
El ovoide es una curva cerrada plana conformada por cuatro arcos de circunferencia: uno de ellos es una semicircunferencia y otros dos son iguales y simétricos. Su nombre deriva de su parecido con la sección longitudinal de un huevo.
Posee dos ejes ortogonales, denominados mayor y menor. Tiene cuatro centros de curvatura. A diferencia del óvalo, sólo tiene un eje de simetría.
RICHARD SERRA_Artista que emplea los óvalos, ovoides y elipses.
Richard Serra (Estados Unidos; 1939) es un escultor minimalista estadounidenseconocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Considerado uno de los mejores escultores vivos, Serra obtuvo el Premio Príncipe de Asturias 2010.
![Richard Serra - composiciones acero-c[1]](https://tooscreativos.files.wordpress.com/2016/02/richard-serra-composiciones-acero-c1.jpg?w=1000)
Antes de explicar sobre la obra de este autor decir que la una elipse es la curva cerrada con dos ejes de simetría que resulta al cortar la superficie de un cono por un plano oblicuo al eje de simetría.
Las espirales son curvas planas, abiertas y continuas que se configuran en expansión alrededor de un núcleo central, lineal o poligonal, mediante arcos de circunferencia enlazados entre sí.
La espiral es uno de los símbolos más antiguos y se encuentra en todos los continentes, habiendo jugado un papel fundamental en el simbolismo desde su aparición en el arte megalítico.
Parece que en muchos lugares representaba el ciclo «nacimiento-muerte-renacimiento» así como al Sol, que se creía seguía ese mismo ciclo, naciendo cada mañana, muriendo cada noche y renaciendo a la mañana siguiente.
CHIRINO_Artista que utiliza la espiral en sus obras
Martín Chirino López (Las Palmas de Gran Canaria, 1925) es un escultor español. Cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino emplea principalmente el hierro y su obra se enmarca dentro del arte abstracto. Sus esculturas comprenden tanto la carencia de componentes narrativos como la riqueza formal y simbólica.
IMÁGENES REALIZADAS POR ALUMNOS HECHAS CON ESTAS FIGURAS PLANAS
LOGOTIPOS QUE JUEGAN CON CIRCUNFERENCIAS, ÓVALOS, OVOIDEs
Las formas sirven para representar las ideas de una empresa, expresar sentimientos y enfatizar algunos rasgos de una compañía.
Los logos más efectivos, pregnantes y memorables son aquellos de formas más simples, tal como lo demuestran los de marcas reconocidas: Macintosh, Mc Donald’s, Nike, Adidas, etc.
Le presentamos las formas más frecuentes en el diseño de logos de calidad:
Logos con formas geométricas: Tienen la ventaja de poder ubicarse fácilmente en todo tipo de espacios y posiciones manteniendo el balance.
Círculo: Representa protección, infinitud, perfección.
En el logotipo de Samsung nada fue dejado al azar: la forma elíptica está ligeramente inclinada para representar la dinámica del universo, mientras que el color azul para el fondo elegido recuerda el cielo y los océanos. Color eléctrico que siempre es empleada en dispositivos electrónicos.
El logo de Ford, desde un principio utilizó el óvalo, utilización de formas curvas que producen sensación de dinamismo. Además el óvalo sugiere seriedad, seriedad y seguridad, quizá debido a su uso en marcas con una larga historia. También emplea un azul metálico en sus últimas versiones, carácter industrial.
La mayoría de logotipos de coches utilizan la forma circular para representar un elemento principal de su movimiento, la rueda.
Las formas circulares o los gráficos donde predomina la curva ya sea circular u ovalada, siempre se suele destinar a sectores juveniles.
Cuadrado: Produce sensación de estabilidad, seguridad y confianza.
Triángulo: Expresa tensión, pero también acción y novedad.
BARROCO
La pintura adquirió un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes en el siglo XVII-XVIII
El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. Los artistas barrocos elegían el punto más dramático a diferencia de los artistas renacentistas, El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
La Crucifixión de San Pedro de Caravaggio,se trata de un tema religioso, el martirio de San Pedro, el principal discípulo de Cristo y primer Papa. Caravaggio toma el texto evangélico al pie de la letra, cuando San Pedro pide que, si va a ser crucificado, lo sea cabeza abajo, como signo de modestia, para no igualarse con Cristo. El autor, en una característica típicamente barroca, busca el momento de mayor tensión, con los sayones (soldados) tirando de las cuerdas mientras San Pedro intenta levantarse de la cruz. De esta manera crea un fuerte dramatismo en toda la escena.
Predomina la línea sobre el color . Los colores (menos algunos verdes muy apagados) son cálidos (rosados, anaranjados, rojos). La mayor importancia de los cálidos se vuelve a utilizar para hacer más intensa la imagen, impactando en las emociones del espectador.Estos colores más pálidos consiguen crear fuertes contrastes que den más intensidad a la imagen, dejando ciertas zonas casi en total oscuridad mientras se destacan otras (a eso se le llama tenebrismo). De esta manera Caravaggio nos va conduciendo por el cuadro a través de la luz.
REALISMO
Realismo es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor fue quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa exposición de 1855, bajo el título «Realismo».
Posteriormente se identificó con el movimiento especialmente a Honoré Daumier, Jean-François Millet.
Las espigadoras también conocido como Las cosechadoras, es un cuadro del pintor francés Jean-François Millet.1Pintado al óleo en 1857, es una representación realista de mujeres espigando.
La pintura es famosa por mostrar de una manera muy humanista la realidad de la sociedad rural del siglo XIX, lo que fue mal recibido por la clase alta francesa.
El color en los cuadros de Millet era un elemento sobresaliente, utilizando armonías apagadas, predominando colores pasteles envejecidos y arenosos, produciendo sensación de calidez y acercándonos al trabajo en el campo. Representando un realismo austero.
IMPRESIONISMO
Es un movimiento artístico definido inicialmente para la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, trasladando el término a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París en 1874 (un grupo en el que estaban Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne).
La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados,
Enriqueciendo sus imágenes con el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores complementarios que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Así que abandonan la clásica técnica del claroscuro, donde el contraste se da por luminosidad.
FAUVISMO
El fovismo, también conocido como fauvismo, (1904-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, por causa del conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.
El Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).
El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».
En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal.
NEODADAISMO
El movimiento neodadá o neodadaísmo surge a finales de los años 50 y principios de los 60 como reacción al arte del expresionismo abstracto, el cual se había creado un distanciamiento del arte como arte-vida-social. Pues la sociedad quedaba alejada de un arte absorto en la personalidad del artista y cuya profundidad y lirismo, no eran accesibles para una sociedad común.
El movimiento neodadaísta innova con otros materiales, hasta ahora poco frecuentes en un ámbito artístico; cabe destacar la obra de esculturas blandas de Claes Oldenburg, precursor principal del arte pop. Pero aquí mencionaremos a Yves Klein.
La mayoría de sus primeros trabajos eran pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. A finales de los años 50, los monocromos de Klein se centraban en un color azul intenso, que patentó como el International Klein Blue, (IKB) o Azul Klein (ahora también llamado azul style por grandes firmas de moda que han decidido también ponerle ese sobrenombre). Si el denominador común de estas obras era el ser monocromáticas, en la aplicación del color, el pintor jugó mucho más: primero experimentó con diferentes rodillos y esponjas, más adelante utilizó cuerpos de mujer, cubiertos de pintura, a las que hacía pasar por un lienzo o echarse sobre él, . A este tipo de trabajo, lo llamó «antropometría».
Teoría del color. ¿Qué es el color?
El mundo es de colores, donde hay luz, hay color. La percepción de la forma, profundidad o claroscuro está estrechamente ligada a la percepción de los colores.
El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 kilómetros por segundo. Esto significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la energía y no a la materia en sí.
Las ondas forman, según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 nanómetros.
Los objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja, como la palabra «COLOR».
ASÍ FNCIONA RL OJO HUMANO PARA PERCIBIR EL COLOR
Propiedades del color
Las definimos como el tono, saturación, brillo.
Tono (hue), matiz o croma es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores: verde, violeta, anaranjado.
Saturación:(saturation) es la intensidad cromática o pureza de un color
Luminosidad(lightness) es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.
Colores primarios, generalidades
El conocimiento que tenemos y hemos adquirido sobre Color , hace referencia al color pigmento y proviene de las enseñanzas de la antigua Academia Francesa de Pintura que consideraba como colores primarios (aquellos que por mezcla producirán todos los demás colores) al magenta, el amarillo y el azul cian. En realidad existen dos sistemas de colores primarios: colores primarios luz y colores primarios pigmento.
El blanco y negro son llamados colores acromáticos, ya que los percibimos como «no colores».
Color de la luz, síntesis aditiva
Los colores producidos por luces (en el monitor de nuestro ordenador, en el cine, televisión, etc.) tienen como colores primarios, al rojo, el verde y el azul (RGB) cuya fusión de estos, crean y componen la luz blanca, por eso a esta mezcla se le denomina, síntesis aditiva y las mezclas parciales de estas luces dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible.
Color de pigmento, síntesis sustractiva
Los colores sustractivos, son colores basados en la luz reflejada de los pigmentos aplicados a las superficies. Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el cyan y el amarillo. Son los colores básicos de las tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de impresión, motivo por el cual estos colores han desplazado en la consideración de colores primarios a los tradicionales.
La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría debería producir el negro, el color más oscuro y de menor cantidad de luz, por lo cual esta mezcla es conocida como síntesis sustractiva. En la práctica el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo por el cual se le agrega negro pigmento conformandose el espacio de color CMYK.
Los procedimientos de imprenta para imprimir en color, conocidas como tricomía y cuatricomía se basan en la síntesis sustractiva.
Grupos de colores
Colores acromáticos : aquellos situados en la zona central del círculo cromático, próximos al centro de este, que han perdido tanta saturación que no se aprecia en ellos el matiz original.
Colores cromáticos grises : situados cerca del centro del círculo cromático, pero fuera de la zona de colores acromáticos, en ellos se distingue el matiz original, aunque muy poco saturado.
Colores monocromáticos : variaciones de saturación de un mismo color (matiz), obtenidas por desplazamiento desde un color puro hasta el centro del círculo cromático.
Colores complementarios : colores que se encuentran simétricos respecto al centro de la rueda. El Matiz varía en 180 º entre uno y otro.
Gamas múltiples: escala de colores entre dos siguiendo una gradación uniforme. Cuando los colores extremos están muy próximos en el círculo cromático, la gama originada es conocida también con el nombre de colores análogos armónicos. En razón de su parecido, armonizan bien entre sí.
Contraste de luminosidad
También denominado se produce al confrontar un color claro o saturado con blanco y un color oscuro o saturado de negro.
Es uno de los más efectivos, siendo muy recomendable para contenidos textuales, que deben destacar con claridad sobre el fondo.
Contraste de saturación
Se origina de la modulación de un tono puro, saturándolo con blanco, negro o gris. El contraste puede darse entre colores puros o bien por la confrontación de éstos con otros no puros.
Los colores puros pierden luminosidad cuando se les añade negro, y varían su saturación mediante la adicción del blanco, modificando los atributos de calidez y frialdad. El verde es el color que menos cambia mezclado tanto con blanco como con negro.
Contraste de temperatura
Es el contraste producido al confrontar un color cálido con otro frío.
La calidez o frialdad de un color es relativa, ya que el color es modificado por los colores que lo rodean. Así un amarillo puede ser cálido con respecto a un azul y frío con respecto a un rojo. Y también un mismo amarillo puede ser más cálido si está rodeado de colores fríos y menos cálido si lo rodean con rojo, naranja, etc.
Contraste de complementarios
Dos colores complementarios son los que ofrecen juntos mejores posibilidades de contraste, aunque resultan muy violentos visualmente combinar dos colores complementarios intensos.
Para lograr una armonía conviene que uno de ellos sea u color puro, y el otro esté modulado con blanco o negro.
Esta entrada se destina a una actividad en clase para la creación de una tipografía sin un determinado fin. Tan solo se mencionarán sensaciones y experiencias para aportar ideas a la hora de crear un caracter con diversos diseños. Tras ese estudio se analizarán aquellas los resultados escogiendo aquellas que sean mejores y se realizará un abecedario de la A a la Z.
EL CARTEL.
Es un medio para comunicar un mensaje directamente a un público transeúnte motorizado, con lo cual sólo será visto durante una fracción de segundo. El cartel es un medio de comunicación visual cuya finalidad es transmitir ideas, mensajes, afirmaciones visuales y en ocasiones, estética pura.
Vallas publicitarias que son visitadas en un corto espacio de tiempo.
El desarrollo industrial del s. XIX, trajo las novedades en maquinaria que agilizaron la impresión en serie; esto unido a los nuevos productos industriales, que precisaban anunciarse hicieron posible el nacimiento del cartel.
Offset, una de las últimas técnicas para la impresión de carteles.
París y Londres serían los principales centros de producción de este nuevo medio de comunicación, al principio más como manifestación artística que como vehículo publicitario, y por lo tanto, directamente dependiente de los movimientos estéticos de cada época (Modernismo, Simbolismo, Expresionismo, Formalismo, Pop Art...)
Cartel publicitario para Le chat noir, de Théophile Alexandre Steinlen, 1896.
El cartel ha pasado de ser un elemento de atracción por su uso de calidad plástica, a configurarse en un reclamo que se impone por obra del impacto efectista. En sus orígenes era una gran ilustración sobre la que se detenía la vista por efecto de su valor plástico, Toulouse-Lautrec dedica gran atención al cartel en su obra.
Toulouse-Lautrec, 1987
Todos sus carteles son considerados hoy día como obras de arte. Actualmente, los carteles, ya propagandísticos, ya publicitarios o institucionales, quieren ser gritos, estallidos que destaquen entre el cúmulo de informaciones visuales (vallas, luminosos, señales, etc.) que el espectador-ciudadano recibe continuamente.
Aleksandr Mijáilovich Ródchenko 1891 — 1956) fue un escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso catalogado como de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fundador, entre otros, del constructivismo ruso
En 1917 el ilustrador James Montgomery Flagg diseñó un cartel, en el que aparecía el «Tío Sam» señalando con el dedo y llevaba impresa una leyenda que decía «I want you for U.S. army» (Te quiero para el ejército de EEUU).
Hoy día, hemos de distinguir, los carteles anunciadores de espectáculos (cine, teatro, circo, toros, etc.), los carteles de testimonio político o denuncia social, los de propaganda institucional, los conmemorativos y los publicitarios.
El cartel expone, comunica, informa, pero no trata de argumentar. En la actualidad , el cartel recurre a la utilización de la fotografía, o de ésta en combinación con el dibujo y la ilustración, además del empleo de toda clase de recursos gráficos.
Oscar Mariné fue director artístico de “ Madrid Me Mata” revista contra cultural e icono de la movida madrileña. Empezando por ahí, ya podemos deducir que estamos ante un clásico del diseño español. Ha trabajado sobretodo en el ámbito del cine, la música y la edición para directores y cantantes como Pedro Almodóvar, Álex de la Iglesia, Julio Medem, Andrés Calamaro o Bruce Springsteen entre otros muchos.
DISEÑAR UN CARTEL
El diseño se basa en la conjunción de una serie de elementos en una misma área, con el objeto de lograr que trasmita un mensaje dentro de un contexto determinado. Estos elementos son: palabras, fotografías, ilustraciones e imágenes gráficas, combinadas con una fuerza controladora basada en el color.
Antes de iniciar el diseño hay que afrontar distintas fases que deben trabajarse en orden:
1. DETERMINAR LA INFORMACIÓN QUE DEBE TRANSMITIRSE.
2. SABER LA FUTURA COLOCACIÓN DEL CARTEL (puede ser en una sala publicitaria, en una revista, en pequeños negocios, en mutis..)
3. DECIDIR LA FORMA. EL TAMAÑO Y LAS PROPORCIONES DEL ÁREA DE DISEÑO (EL SOPORTE).
«Superantroxu» burlón, marinero y con un punto añejo se acaba de comer la popular sardina. Y todo por obra y gracia de de Carmen Vázquez Fuentes, ilustradora gijonesa que se ha ganado el mérito del Carnaval como autora del cartel que anunciará por todas las esquinas el Antroxu gijonés.
«Doña Carnal» es la imagen oficial del Antroxu de Gijón 2016. La ilustración, elaborada por Carmen Vázquez
Imágenes de carteles dedicados a obras de teatro del ilustrados Isidro Ferrer.
LA COMPOSICIÓN.
La composición de un cartel, vamos a trataria teniendo en cuenta los siguientes elementos: el encuadre, la angulación, la línea, el color y la luz.
Encuadre. Toda imagen representa una parte de la realidad (personas, objetos, escenarios), teniendo en cuenta esto el plano es fundamental pues sirve para estructurar el mensaje que se pretende comunicar. El concepto de plano se establece tomando siempre como referencia la figura humana. En publicidad y en los carteles los más utilizados son los planos cortos para fijar la atención, por tanto se utiliza desde el plano medio corto hasta el plano de detalle.
Angulaciones. Una escena, en objeto o una persona pueden ser representados desde diversos ángulos que nos sirven como puntos de vista, desde los cuales encuadrar la realidad: Ángulo normal: a la altura de los ojos del espectador. Proporciona una visión objetiva de la realidad. Ángulo picado: desde una posición más elevada al punto de vista normal. Ángulo contrapicado: desde una posición por debajo del punto de vista. Puede utilizarse en un sentido expresivo para magnificar o valorar un determinado objeto o personaje.
Algunos ejemplos de anulación y encuadre
angulación cenital
Plano detalle
La línea.
La línea sirve para visualizar lo que no existe y para concretar lo esencial de la información. Las líneas de fuerza de cualquier composición vienen marcadas por el uso de las diagonales.
Al hablar de la línea es importante recordar que el trazado de la sección áurea se utiliza con frecuencia en los carteles para localizar puntos de interés a donde orientar la visión de espectador, para situar líneas de horizonte, para proporcionar el formato y para crear áreas de importancia en la composición.
En el caso del cartel anterior donde se trabaja con un plano detalle, la lengua del personaje nos está creando una línea que nos guía la vista hacia la marca del producto. En el caso del cartel realizado para la feria del libro, predomina la línea horizontal, mensaje de estabilidad y tranquilidad a la hora de realizar la actividad lectora.
Plano medio.
El color.
El color es un elemento fundamental en el cartel. El color está directamente relacionado con la psicología humana y los carteles se dirigen al hombre. Un cartel bien compuesto y dibujado, se vendrá a bajo si los colores no están bien escogidos.
Comportamiento y acción del color.
Los psicólogos han estudiado como todo ser humano tiene unas preferencias de color que le hacen relacionar un tono determinado con algún tipo de sentimiento o emoción. Así, por ejemplo, hay colores que llevan asociados valores universales:
el rojo con la acción, la agresividad, peligro, el triunfo, la pasión
el verde con la naturaleza, el descanso, la juventud, …
el azul con la armonía, la fidelidad, la confianza, la elegancia, etc.
El uso del color también lleva aparejado un porcentaje de subjetividad. Por ojemplo, la ¡dentificación de diversos colores con la temperatura; los rojos y naranjas se asocian con lo cálido, mientras que los verdes y azules se asocian con lo frío.
Perspectiva del color.
Los colores cálidos se asocian con la proximidad y los fríos con la lejanía. A su vez los colores claros producen la sensación de amplitud, mientras que los colores oscuros reducen los tamaños. Los colores muy oscuros dan la sensación de más pesados, por lo tanto más bajos, los tonos claros ejercen el efecto inverso, ligeros y elevados.
Los colores calientes acercan.
Los colores fríos alejan.
Los colores oscuros reducen y pesan.
Los colores claros ensanchan y elevan.
Visibilidad de los colores. A la hora de elegir la tiògrafía y su color es importante tener en cuenta estos consejos:
El amarillo y el cian se leen mejor a distancia, sobre todo el amarillo sobre el negro.
El blanco sobre negro sólo es medianamente legible a distancia.
Los contrastes complementarios son menos legibles. Azul_Naranja, Rojo_Verde, Amarillo_Azul violáceo.
En general se consideran más visibles a distancia los colores oscuros sobre los claros.
El negro resalta más sobre amarillo y blanco que sobre rojo.
El rojo resalta más sobre blanco y amarillo que sobre verde.
El blanco resalta más sobre rojo, azul y verde que sobre negro.
El verde resalta más sobre blanco que sobre rojo.
El azul resalta más sobre blanco.
Dinámica del color.
La percepción de los colores se ve alterada por los colores del fondo:
Los colores aumentan su luminosidad sobre fondos oscuros y la disminuyen sobre fondos claros.
En un contraste de valor, es decir, un color con dos grados de claridad, el valor oscuro parece más oscuro y el claro más daro.
En un contraste de matiz en el que intervienen un tono caliente (rojo) y otro frío (azul), aumenta la sensación detemperatura decalienteen el rojo y de fríoen el azul..
En un contraste de complementarios, tal es el caso del magenta y del verde, se intensifican las diferencias de color, haciendo que el rojo parezca más rojo en contacto con el verde.
El color en el diseño.
A la hora de seleccionar los colores que van a intervenir en el diseño de un cartel deben de considerarse los siguientes puntos:
Los colores elegidos deben ser los adecuados porque posiblemente constituirán una influencia primordial en el modo de comunicar la idea.
No todos los colores son apropiados para un determinado diseño.
Los colores fríos y ligeros (azules y verdes) se utilizan para la promoción de objetos de baño.
Los colores cálidos proyectan una imagen veraniega, por una parte, y por otra clasicismo.
Los colores brillantes (rojo, amarillo y azul), se asocian con los estilos de vida modernos y con las últimas tendencias en la comunicación de masa.
Los colores más oscuros (verdes oscuros, rcos oscuros y azul marino) aluden a la sofisticación y a la calidad.
Los colores ofrecen la posibilidad de proyectar estados de ánimo o sensaciones.
Los tonos grises producen una sensación opresiva y misteriosa.
El rojo impacta, creando tensión y suspense.
Otro factor importante son los anhelos románticos, que se integran en el diseño mediante tonalidades suaves, delicadas.
La cantidad de color elegido para un diseño, deberá equilibrarse con los demás elementos de diseño, formas, proporciones, tipos e imágenes.
La luz.
La luz es otro de los elementos de la composición. Pemite crear sombras, destacar volúmenes. Puede usarse para:
Expresar sentimientos y emociones.
Crear una atmósfera poética.
Resaltar la profundidad de los ambientes.
La luz la podemos utilizar en un cartel de diversas maneras, para resaltar determinados objetos o partes de ellos, mediante la luz directa. Para expresar sentimientos, el daroscuro crea inquietud o atención y la luz difusa crea serenidad.
ARTISTAS
ISIDRO FERRER
Isidro Ferrer (Madrid, 1963) es un ilustrador y diseñador gráfico formado en arte dramático. Trabaja desde finales de los 80, ha destacado especialmente en el panorama nacional e internacional, llegando a cosechar un Premio Nacional de Diseño en el 2002 y un Premio Nacional de Ilustración en 2006.1 Entre su lista de clientes figuran Canal +, El País, Santillana y el Centro Dramático Nacional, para el que ha trabajado en la realización de los carteles de las temporadas 2006,07,08 y 09 y que han sido expuestos en diversos países.
En sus trabajos las imágenes juegan con distintos sentidos y los objetos cotidianos cobran una relevancia excepcional, convirtiéndose en significantes de contenidos sorprendentes y, a menudo sirven de medio para representarse a sí mismo. Juega a menudo con el surrealismo y con la combinación chocante de motivos para que, fotografiados en conjunto, adquieran una nueva dimensión. Además, las texturas tienen un papel importante en las composiciones de unos materiales que, al pasar por su filtro, se humanizan o «animalizan» convirtiéndose en personajes singulares.
JAVIER JAÉN
Javier Jaén (Barcelona, 1983), poeta visual y artista gráfico. Su actividad profesional se ha centrado en la ilustración de prensa, el diseño de portadas de libros y la comunicación. Su trabajo se expresa con un lenguaje simbólico con dobles significados. Busca sus escenarios narrativos y su estética en un contexto cotidiano. trabaja con objetos, imágenes y palabras cotidianos. Ha trabajado para The New York Times, The Washington Post, El País, Random House Mondadori, Valor Brasil, y la Unesco, entre otros. Ha participado en exposiciones en Nueva York, Londres, Barcelona, Tallin y Roma.
PEP CARRIO
Pep Carrió nació en Palma de Mallorca en 1963. Es diseñador gráfico, ilustrador y artista plástico. Cuenta con una amplia y reconocida trayectoria tanto en el campo artístico como en el cultural. Compagina su trabajo como diseñador gráfico, especialmente enfocado al ámbito cultural y editorial, con su labor como artista plástico.
Abrió junto a Sánchez y Lacasta un estudio de diseño en 1994 en Madrid. Se especializó en el diseño editorial, imagen de marca, comunicación corporativa, exposiciones y actividades culturales. En 2009 fundó su propio estudio de diseño con el nombre Pep Carrió Diseño y Comunicación gráfica.
Ha diseñado portadas para Espasa, Santillana, Taurus y la AECID; catálogos y memorias para el ministerio de Cultura, el Gran Teatre del Liceu, la Fipse y para Farrutx; anuarios para el Club de Creativos, el Centro de Artes Escénicas, la Fundación autor/SGAE; ha diseñado marcas y elementos de merchandising.
Pablo Amargo (Oviedo, Asturias, 1971) es un ilustrador español.
Estudió la carrera de Bellas Artes y Comenzó a desarrollar su labor de ilustrador profesional a finales de los años noventa, colaborando en prensa (New York Times, El País Semanal, New Yorker, La Vanguardia, The Boston Globe, El Exportador, Morningstar Advisor, Jot Down Magazine, La Maleta de Portbou…) cubiertas de libros, carteles y, muy especialmente, en la realización de ilustraciones para libros.
Gustavo Puerta Leisse en el artículo «Erase una vez……Bolonia» (El Cultural de El Mundo 2005) escribió: «Cada imagen de Pablo Amargo denota inteligencia en la interpretación, minuciosidad en el trabajo, sobriedad y simplificación máximas en las formas y una ferviente lucha contra los estereotipos. Heredero de las estéticas vanguardistas del siglo pasado, no repite los esquemas sino que los asimila en un universo de pocas tintas y gran dinamismo, en el que todo elemento tiene un sentido y las imágenes plasman una lectura muy personal al texto que las acompaña».
Tipografías que se muestran en el vídeo:
La tipografía Romana incluíye las fuentes conocidas: Bembo, Baskerville, Caslon, Jenson, Times Roman and Garamond. Nicolaus Jenson es conocido por haber sido el creador de la primera tipografía romana para impresión, que sirvió de inspiración y fue imitada por maestros impresores como Claude Garamond y Aldus Manutius. Este estilo de tipografía romana creado por Jenson fue llamado más tarde como estilo veneciano.
Diseño para la empresa creada por los alumnos de 4ºE.S.O. para el viaje de estudios. Empresa COPABUSIFANO
Diseño para la empresa creada por los alumnos de 4ºE.S.O. para el viaje de estudios. Empresa COPABUSIFANO
Un logotipo es a menudo la primera impresión que causa una empresa, que puede afectar a la percepción de marca de un cliente, a sus decisiones de compra y en general a su actitud hacia un producto.
Algún soporte de los productos.
Un logo es lo que ayuda a distinguir a una marca de sus competidores, por lo que es importante que la imagen se destaque del resto, algo por lo que muchas marcas luchan.
La creación de un diseño único no lo es todo para evitar la imitación, es importante pensar creativamente: el logo de Mercedes no es un coche, el logo de Virgin Atlantic no es un avión, y el logotipo de Apple no es un ordenador.
El logo es una introducción a una marca. El logo debe llegar a un público específico y se debe tener en cuenta a la hora de diseñar. Una técnica de creatividad consiste en escribir lo que se piensa acerca de tu marca.También investigar otras marcas visuales puede ser útil, pero no se deben tomar las inspiraciones literalmente.
Cada logotipo tiene una historia llena de significado y propósito. Apple, por ejemplo, a la fruta le falta un mordisco, o Wikipedia, es un mundo de piezas sin terminar cubiertas con glifos de diferentes sistemas de escritura.
Diseño para la empresa creada por los alumnos de 4ºE.S.O. para el viaje de estudios. Empresa COPABUSIFANO
Al tener en cuenta la personalidad de la marca, hay que pensar en todos los aspectos de la imagen. Cada color tiene una implicación diferente y puede aportar matices al mensaje. Mensajes que transmiten los colores, teniendo en cuenta la cultura en la que nos encontramos o a la empresa:
Rojo: enérgico, sexy, audaz
Naranja: creativo, amable, joven
Amarillo: soleado, optimista
Verde: orgánico, crecimiento
Azul: profesional, tranquilo, digno de confianza
Púrpura: espiritual, sabio, evocador
Negro: creíble y potente
Blanco: simple, limpio, puro
Rosa: divertida y coqueta
Marrón: rural, histórico y constante
A la hora de considerar el tipo de letra para el texto, se trata de evitar fuentes raras y que ayude a seguir transmitiendo el mensaje y las sensaciones que quiere representar la empresa.
Hay marcas que se reconocen por sus fuentes personalizadas, como es el caso de Coca-Cola.
Es importante contar con una combinación equilibrada, sencilla y peculiar, quieres que tu logo sea interesante, pero no que alguien tenga que sentarse y analizar el logotipo para saber de qué se trata. Un buen ejemplo es el logo de FedEx, un logotipo sencillo con un toque diferente. La imagen utiliza el espacio negativo para crear una flecha que connota la velocidad, la precisión y la dirección. Además, la compañía cambia el color de “Ex” para clasificar el tipo de envío. Amazon también utiliza sólo su nombre, y utiliza una flecha de la “a” a la “z” para referirse a su amplio inventario.
El nombre LEGO es la abreviatura de dos palabras danesas: “leg godt” (cuyo significado es “jugar bien”).
A veces creemos que las grandes marcas están grabadas en piedra, y que siempre han estado allí, inamovibles, sin cambios. Las marcas y sus identidades se van adaptando a cada época de la mejor forma posible.
Es el caso del logo rojo, amarillo y blanco del fabricante de juguetes LEGO, una imagen que nos resulta familiar desde pequeños, su primer logotipo se creo en 1934 y era en blanco y negro.
Desde entonces a la fecha el logo ha sufrido numerosos cambios. El primer logotipo de color se introdujo en 1936, mientras que el más lúdico y que uso una tipografía más “alegre”, apareció en 1953 y es predecesor de la utilizada en el logo actual.
Repsol es una de las principales compañías españolas de hidrocarburos.
Para alinear la imagen de la marca con los nuevos objetivos planteados por la compañía de cara a los próximos años, Repsol ha llevado a cabo una optimización de su logotipo y un rediseño de todo el universo visual que rodea a la marca. Este proyecto ha sido desarrollado por la consultora de marca Interbrand.
El primer logotipo de Repsol fue creado por Wolff Ollins en 1988. Se trataba de una interpretación del “horizonte”, donde el mar, el cielo y el sol se unían en una sencilla y característica esfera.
Posteriormente en 1996, fue el diseñador español Pepe Cruz Novillo el encargado de actualizar la marca, creando la versión del logotipo con la que hemos convivido los últimos 15 años. Cruz Novillo mantuvo el concepto del “horizonte” pero simplificó las formas, hizo más simétrico el conjunto y reajustó acertadamente la tipografía.
Hoy, Interbrand da un paso más en la evolución de este logotipo. El siguiente cambio relevante es la supresión del azul del símbolo, que es sustituido por el blanco.
El color blanco no sólo es una novedad en el logotipo, sino que se suma como cuarto color corporativo de la identidad, convirtiéndose en un pilar de gran importancia en todas las aplicaciones de la marca.
Con la eliminación del «horizonte azul» del símbolo, se busca aligerar visualmente la composición y eliminar ese matiz «contaminante» que introdujo la marca a través de su diseño con el horizonte y las manchas que emanaban del mismo. Aquella inicial intención de «dibujar un paisaje» podía interpretarse como un «vertido» de combustible, con la consiguiente lectura negativa.
El arte óptico «Op Art»
El “Op Art” es una abreviación del término inglés optic art. El arte óptico es un movimiento artístico y una tendencia nacidos en Estados Unidos en el año de 1958.
El Op Art utiliza fenómenos ópticos para producir imágenes pictóricas y escultóricas abstractas. Este tipo de arte crea sensaciones de movimiento en superficies bidimensionales.
Los elementos dominantes del arte óptico son:
– Líneas paralelas, rectas o sinuosas.
– Contrastes cromáticos marcados, poli o bi-cromáticos.
– Los cambios de forma o tamaño.
– La combinación o repetición de formas y figuras.
– Utilización de formas geométricas sencillas: rectángulos, cuadrados, triángulos y círculos.
En ocasiones se confunde OP-ART con el Arte Cinético. La diferencia se presenta en el siguiente esquema.
Los principales iniciadores de esta tendencia fueron: Víctor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.
Posteriormente han destacado otros artistas como: Yaacov Agam (Israel, 1928) , Carlos Cruz-Diez (Venezuela, 1923), Piero Dorazio (Italia, 1927 – 2005), Julio Le Parc (Argentina, 1928), Youri Messen-Jaschin (Suiza, 1941), Omar Rayo (Colombia, 1928 – 2010), Bridget Riley (Inglaterra, 1931), Eusebio Sempere (España, 1923 -1985), Jesús Soto (Venezuela, 1923 -2005).
El arte óptico se diferencia del arte cinético porque el movimiento que intenta producir en el espectador es puramente sensorial-óptico, ya que sus obras son totalmente estáticas y la sensación de movimiento es producida puramente por efectos y no por movimiento real de las piezas o parte de la obra.
Víctor Vasarely (1906 – 1997) fue un artista húngaro al que se ha considerado a menudo como el padre del op art. Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art.
Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
Vasarely también diseño en 1972 el logotipo de la empresa de automóviles REANAULT con pequeñas modificaciones con respecto del diseño original, una forma de rombo o diamante. Por aquel entonces, Víctor Vasarely era un reputado artista y la dirección de la empresa apostó por una propuesta atrevida. El diseño se inspira en una Cinta de Moebius quedando reducido a un rombo que simboliza, de una manera elegante, un infinito de raíz muy actual y estética del Op Art.
LÁMINAS OP-ART
EJERCICIOS REALIZADOS
Estructura modular diseñada para estampado de calcetines por el diseñador Yago.
Una red modular es una estructura en la que se relacionan una serie de figuras iguales o semejantes.
Esta estructura, generalmente geométrica, es como una malla ,de formas triangulares, rectangulares o derivadas, que cubren toda una superficie.
Llamaremos módulos a las figuras que se repiten y relacionan gracias a esa estructura modular.
Podemos distinguir dos tipos de composiciones modulares, en relación a su complejidad:
Estructura modular diseñada para estampado de menaje por el diseñador Hugo
Estructura modular diseñada para estampado de zapatillas de deporte por el diseñador Kylian
EL MÓDULO.
El módulo es la figura que se repite y relaciona con otras semejantes (ya que estas pueden cambiar de color) o iguales en una estructura modular. De este modo, utilizando un modulo sobre una red modular, obtendremos una composición modular.
Estructura modular diseñada para estampado de camiseta por la diseñadora Paula.
tooscreativos 